http://www.abc.es Noticias y actualidad de Teatro. Toda la información de Cultura. Noticias, vídeos, galerías de fotos y mucho más en ABC.es es-ES Fri, 25 Sep 2026 19:17:43 +0200 https://www.abc.es/cultura/teatros/ensayos-maria-pages-bailar-vida-libros-mantones-20260925161738-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/ensayos-maria-pages-bailar-vida-libros-mantones-20260925161738-nt.html Quién dijo que la vida y la muerte no pueden bailar juntas. Bailan siempre de la mano, más aún cuando la muerte misma atraviesa el alma. Y también un estreno. Uno nunca baila igual dos veces. Uno nunca sube al escenario dos días seguidos siendo exactamente la misma persona porque tampoco la vida se queda quieta. Cada movimiento lleva lo vivido hasta ese momento, y hay pérdidas que cambian para siempre la manera de mover el cuerpo. Más aún cuando se pierde a una madre y el espectáculo que uno está a punto de estrenar comienza con ella. Así, con esa lanza atravesada entra María Pagés en uno de sus últimos ensayos antes del estreno de 'Bilbao Square', su nuevo espectáculo que arranca en Centro Danza Matadero.Si entrar en un teatro es algo así como entrar en un templo, adentrarse en los ensayos es pisar tierra sagrada donde es necesario descalzarse. También hacer silencio. Cuelgan del techo castañuelas, libros y un mantón, que María Pagés coloca entre dos pinzas. Hay mucho movimiento en la sala, burros con vestuario que entran y salen, unos músicos algo inquietos que terminan de calentar. Pagés intentando encontrar una pizca de paz para concentrarse antes del ensayo. Aquí, en Centro Danza Matadero , se respira una sensación extraña, es la sensación de estar presenciando algo nuevo, que pocos han visto, es ser testigo del misterio que supone dar vida a una historia. El Arbi El Harti, dramaturgo del espectáculo y también director, recorre la sala de arriba a abajo, habla con los técnicos, se acerca hasta el escenario a hablar con Pagés, s e sienta en la primera butaca, luego en la última. Ver cómo trabajan María y El Arbi es confirmar que ambos hacen de la danza la palabra y al revés. Pagés coloca la silla en una esquina del escenario porque 'Bilbao Square' no empieza por tangos, arranca con la palabra. Empieza con la vida misma. La vida de una jovencita que, con miedo posiblemente, pero con la convicción de hacer lo que ama, llega en un Citroën negro a Madrid acompañada de su madre y su abuela. Hoy su madre falta, fallecida recientemente en medio de esta vorágine de promoción y previa del estreno. ¿Su madre falta? En realidad, no. Está en el primer instante del espectáculo. Está en el mantón que cuelga, en el sonido del coche que se entremezcla con la guitarra y las cuerdas. Está también en el último aliento antes del aplauso. Pagés juega con ese mantón que cuelga, lo convierte en vestido, en escondite, en abrazo. Se mece con él, también se revuelve con él y contra él. Lo lleva sobre los hombros, lo arrastra, se esconde bajo él. Por momentos parece que baila con alguien que no está, que abraza algo que no puede tocar. El mantón deja de ser un objeto y se convierte en memoria, en ese lugar donde caben las personas que ya no están y, sin embargo, siguen apareciendo en todo.Quienes esperen un número flamenco más no lo encontrarán. Aquí se halla el secreto de una vida en danza. Y es que para bailar hace falta jugar, golpearse contra los libros, danzar con ellos, caer y que te levanten. 'Bilbao Square' es asistir a una vida atravesada por la danza, pero no de cualquier forma. Pagés es la prueba de que para bailar hace falta la pregunta y que solo el misterio nos hace avanzar. Que es el cuestionarse lo que nos hace crear. Es paradójico cómo la pregunta puede ser al mismo tiempo una certeza. «Si hay algo que me sostiene es la convicción. La convicción cuando ves algo que eres capaz y que tiene una base de respeto y una base sólida de conocimiento. Y lo he hecho casi de una manera espontánea, impulsiva y con cierta ingenuidad», confesaba María Pagés recientemente a este periódico. El espectáculo parte de objetos cotidianos para cualquier bailaor como el abanico, la bata de cola o los zapatos. Es la fiesta de la danza. Porque sí, fue concebida esta obra como una fiesta y así será. María zapatea, y vaya si zapatea, con la fuerza de toda una vida. En cada uno de esos golpes de pie está cada gira con Antonio Gades, cada espectáculo, cada ensayo, cada lugar, cada reconocimiento. 'Bilbao Square' engloba también 'Sol y Sombra', 'Dunas', 'Yo, Carmen', 'Sheherezade' y todos los espectáculos que ha creado. En los ensayos, el zapateado puede que no sea milimétrico, ni falta que le hace, tiene esa otra forma de perfección que solo alcanza lo que está vivo. María Pagés es libre, tan libre que mientras baila mueve los brazos a los músicos para que suban la música mientras el repiqueteo de sus pies devuelve a la plaza el eco de aquella niña que empezó a bailar.'Bilbao Square' es la experiencia de 63 años de danza, también 63 años de lesiones, pero ante todo de luz. Ahora que la vida ha vuelto a recordarle que nada permanece intacto, María Pagés vuelve a bailar. Vuelve a aquella plaza. Vuelve a aquella niña. Y vuelve también a su madre. Hay ausencias que en fondo no consiguen marcharse porque se quedan en los nombres, en las fotografías, en los mantones y en el cuerpo de quien sigue bailando. Y eso es ya la eternidad. Fri, 25 Sep 2026 19:17:43 +0200 Mauricio Mendivelso María Pagés, bailaora, presenta 'Bilbao Square' María Pagés, bailaora, presenta 'Bilbao Square' Clara Molla Pagán https://www.abc.es/cultura/teatros/nascencia-horizonte-optimista-20260925172102-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/nascencia-horizonte-optimista-20260925172102-nt.html Crítica de danza 'Nascencia' Dirección artística Mónica Fernández Coreografía Mónica Fernández y Rubén Olmo Dirección musical Lucky Losada Música Agustín Diassera, Jesús Calluela, Padre Soler, Lucky Losada, Vaqui Losada, Iván Losada, David Cerreduela Iluminación Pedro Yagüe Imágenes Manel Pujol Balada Vestuario Mónica Fernández, Jasanzo Intérpretes Ballet Español de la Comunidad de Madrid ***' Nascencia ' -se dice en el programa del espectáculo que se acaba de estrenar en los Teatros del Canal- «es un poema en movimiento sobre la capacidad humana de nacer». Resulta muy ilustrativo para una compañía, el Ballet Español de la Comunidad de Madrid, que en sus apenas dos años de existencia (su bautizo fue el 12 de octubre de 2024) ha tenido que renacer ya dos veces: una cuando su primer director, Jesús Carmona, y otra cuando un escándalo político obligó a dimitir a Antonio Castillo Algarra -uno de los vértices de la dirección colegiada que había tomado la batuta tras la dimisión del artista barcelonés- y Mónica Fernández , que formaba parte también del triunvirato, asumió la dirección de la compañía.No oculta Fernández que este espectáculo tiene algo de 'biográfico' y « recorre el camino que va de la herida a la reconstrucción ». Y ese espíritu se encuentra en la base de 'Nascencia', que al mismo tiempo quiere ser -y lo consigue- un particular crisol de los cuatro estilos de la danza española: baile estilizado, flamenco, escuela bolera y folclore. Los cuatro asoman de una manera más o menos sutil, trenzados de manera inteligente y efectiva.'Nascencia' es un espectáculo tan atractivo como cuidado y medido en todos sus aspectos escénicos: vestuario, escenografía, iluminación; un ejemplo de lo que debe ser una compañía pública como es el Ballet Español de la Comunidad de Madrid -¡ojalá hubiera más en otros lugares de España!-, una compañía que presenta interesantes mimbres en sus filas, lo que le augura -si no sigue habiendo injerencias políticas ni intereses espurios- una creciente trayectoria.El baile clásico español -la base del espectáculo- tiene desde hace mucho tiempo un gran reto: su contemporaneidad. Mientras que el flamenco, a través de figuras como Rocío Molina, Olga Pericet, Israel Galván o Manuel Liñán, ha logrado (con sus excesos y sus errores incluidos) hacer de este arte la más contemporánea de las danzas en España, el baile clásico español parece limitarse a una modernización tan solo en sus elementos externos . Cierto es que tiene un vocabulario tal vez más definido e inamovible que el flamenco, pero eso le impide dar un definitivo paso adelante y a dar en algún momento la sensación de algo ya visto.En 'Nascencia' esta vocación contemporánea está presente a lo largo de todo el impecable espectáculo, que sabe enlazar estilos, pero que en varias de sus fases suena a algo ya visto -esto no es un defecto en sí mismo- cuando el trabajo pediría algo más de arrojo coreográfico. Ha de hablarse sin embargo de un 'renacimiento' esperanzador , de un espectáculo irreprochable desde todos los puntos de vista, que permite mirar hacia el futuro con optimismo y confiar en que siga en esta línea artística. Fri, 25 Sep 2026 17:21:03 +0200 Juan Carlos Toledo Una imagen de 'Nascencia'. Una imagen de 'Nascencia'. Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/six-seis-personajes-busca-verdad-20260924180259-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/six-seis-personajes-busca-verdad-20260924180259-nt.html Crítica de teatro musical 'Six' Autoría Toby Marlow y Lucy Moss (Adaptación al castellano:Gara Roda, Marc Gómez y Daniel Anglès) Dirección Lucy Moss y Jamie Armitage Coreografía Carrie-Anne Ingrouille Escenografía Emma Bailey Vestuario Gabriella Slade Iluminación Tim Deiling Sonido Paul Gatehouse Directora asociada Lindsay McAllister Dirección musical Sofía Kherroubi Intérpretes Clara Lanzani, Udara Zubillaga, Beatriz Santana, Liz Tatis, Arianna Galletti, Alba Egilo Lugar Teatro Gran Vía, Madrid ****Dentro de la avalancha de estrenos de teatro musical en Madrid (¿hay público para todos?), 'Six' destaca por la singularidad de la propuesta . Presenta una historia, sí, pero la puesta en escena está planteada como un concierto más que como una obra teatral. Es, al fin y al cabo, una sucesión de canciones con algún texto hablado entre ellas. Sin embargo, hay una dramaturgia y una intención dramática clara.'Six' (Seis en inglés) se refiere a las seis esposas del Rey Enrique VIII de Inglaterra , cruel y furibundo coleccionista de mujeres, a las que desechaba (con decapitación incluida en algún caso) cuando no le servían a su propósito; llegó a separarse de Roma porque el Papa no le concedió la anulación de su primer matrimonio, y creó la Iglesia de Inglaterra, con él mismo como Cabeza Suprema.Toby Marlow y Lucy Moss escribieron este curioso musical, que se estrenó en el Fringe del Festival de Edimburgo en agosto de 2017; cuatro meses después pasó al West End -el circuito comercial del teatro londinense-, en octubre de 2021 se estrenó en Broadway, y se ha podido ver ya en una veintena de países. Humor, energía, música contagiosa, ritmo e ímpetu son las principales características de la puesta en escena. La que se presenta en Madrid es un calco de la original, pero de forma mucho más marcada que en otras franquicias, se distingue por sus intérpretes, verdaderas protagonistas del espectáculo, con las luces (y un eventual trono) como única escenografía. En 'Six', las seis reinas se convierten en divas pop -Beyoncé, Britney Spears, Rihanna o Adele son algunos de sus modelos- para contar, en primera persona, su historia y pelear por el 'título' de cuál de ellas lo pasó peor.Canciones que navegan entre el pop, el rhythm and blues, el soul, el punk-rock -destacan el tema de apertura, 'Ex-Wives' y la potentísima balada 'Heart of Stone', que canta Jane Seymour. A través de ellas, las seis mujeres van desgranando su historia -« decapitada, divorciada, enterrada, divorciada, decapitada, salvada »-, reivindicándose y mostrando un punto de vista que apenas se ha tenido en cuenta. La adaptación española del texto,, de Gara Roda, Marc Gómez y Daniel Anglès, logra con habilidad mantener la ironía, el humor y el carácter particular de cada una de las reinas. Es más un relato reivindicativo y feminista, paródico incluso, pero alejado del rencor y de la venganza. Buscan las canciones, sobre todo, ser por primera vez la voz de las seis ante el juicio de la Historia.La producción española ha hecho un elenco tan diverso como pide la propuesta, con un sexteto de intérpretes procedente de Argentina, España, Italia y República Dominicana. Todas ellas tienen calidad vocal y un vigor que convierte el espectáculo, a menudo, en una fiesta, y que termina cada noche con el público bailando de pie. Fri, 25 Sep 2026 12:11:19 +0200 Danilo Moroni Las intérpretes de 'Six' Las intérpretes de 'Six' Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/laila-ripoll-caballero-olmedo-ver-romanticismo-20260924014758-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/laila-ripoll-caballero-olmedo-ver-romanticismo-20260924014758-nt.html Laila Ripoll ya tenía pensado poner en pie ' El caballero de Olmedo ' con su compañía, Micomicón, cuando fue nombrada, en noviembre de 2024, directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico . Pensó entonces en parar el proyecto, pero finalmente decidió que la obra de Lope de Vega, uno de los grandes textos de nuestro Siglo de Oro, sería su primer montaje al frente del conjunto.Tras su estreno en Almagro , la producción llega ahora al Teatro de la Comedia de Madrid, donde estará hasta el 22 de noviembre, con un reparto que integran Elisabet Altube, Arantxa Aranguren, Clara Cabrera, Javier Díaz Gil, Carlos Jiménez Alfaro, Sandra Landín, Teo Maiztegui, José Luis Martínez, Toni Misó, Gerardo Quintana, Mateo Rubistein, Víctor Sáinz y Jorge Varandela. En el equipo artístico, Arturo Martín Burgos (escenografía), Luis Perdiguero (iluminación), Almudena Rodríguez Huertas (vestuario), Álvaro Luna (videoescena), Mariano Marín (música original) o Pablo Martínez Bravo (ayudante de dirección). Lope de Vega escribió 'El caballero de Olmedo' seguramente entre 1620 y 1625, y la obra se publicó por primera vez en 1641. Se basa en un hecho que sucedió un siglo antes, cuando Juan de Vivero, vecino de Olmedo, fue asesinado por Miguel Ruiz en el camino entre Medina del Campo y Olmedo. El episodio se recogió después en la tradición oral y en romances.«No es más complicado de llevar hoy a escena que otros textos -dice Laila Ripoll-; tiene, como es habitual en Lope, un verso muy ligero, fácil de decir, muy entendible y poco barroco. Tal vez sea una obra más estática que otras suyas, pero eso me parece también muy moderno. Creo que 'El caballero de Olmedo' es un texto muy adelantado a su época» .Eso es lo que ha llevado a la directora a cambiarlo de época en su montaje. «Es un texto que entronca absolutamente con el Romanticismo y con la edad contemporánea... Lorca lo eligió para su compañía La Barraca, sería por algo. Tiene una serie de elementos que tienen más que ver con un Romanticismo temprano que con el siglo XVII». Por ello sitúa la puesta en escena en 1816, ' el año sin verano ' -«el año en el que surge realmente el Romanticismo tal y como lo entendemos»- y el año en que Mary Shelley escribió 'Frankenstein'. Entonces por ahí es por donde... por donde va la apuesta... la apuesta y la puesta, las dos cosas. Entonces jugamos a tope con el año sin verano, en el que no se puede ver el sol, y el año en que Mary Shelley escribió 'Frankenstein'. España acababa de salir de las guerras napoleónicas, Fernando VII había subido al poder... Ese es el punto de partida histórico, del que surge todo lo demás: todo el mundo de los fantasmas, las premoniciones, la brujería, la naturaleza... Todos son elementos muy tópicos del Romanticismo, pero que están presentes y son fundamentales en el texto de Lope»."Bolsa de actores"Se cumplen en 2026 cuarenta años de la creación de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, pero Laila Ripoll no quiere recuperar la estructura de 'compañía teatral' que ha tenido durante alguna etapa. «No creo que ahora mismo sea bueno. Además, las circunstancias económicas son distintas a la etapa de Eduardo Vasco, en la que sí había una compañía más o menos fija. Lo que debería haber es una especie de bolsa de actores del clásico, especializados en clásico, un poco como pasa en la Comédie Française». Y hay algo que tiene muy claro en este aspecto. «Lo que sí me interesa -sigue- es tirar mucho de la gente que se ha formado aquí, de la gente de la Joven. Están saliendo de ella una media de quince actores cada dos años. Y ahí están, por ejemplo, Eva Rufo, Francesco Carril, Mamen Camacho, Natalia Huarte... » Laila Ripoll lleva haciendo clásicos, dice, desde 1992. «Tuve la suerte de formarme con Josefina García Aráez y con Juanjo Granda, y yo estuve en la primera escuela, la de Adolfo Marsillach. Ricard Salvat me dijo una cosa que se me quedó grabada: 'Vosotros estáis volviendo de un sitio donde la mayoría de la gente todavía no ha ido. No podéis pretender que entiendan lo que estáis haciendo'. Se refería a las lecturas que hacíamos nosotros de los clásicos en una época en que la gente no los conocía. Nuestro objetivo era muy claro: hacer lo que los ingleses hacían con Shakespeare; ahora creo que ya estamos a la par».Pero con muchos más autores que conforman el canon y que, dice la directora, va a aumentar porque queda mucho por descubrir. «Se están atribuyendo a determinados autores obras que se creía que eran de otros; se están descubriendo autores que no se conocían, el canon se está abriendo con textos que yo creo que son capitales, como las 'comedias de negros', o la obra de María de Zayas 'La traición en la amistad', que está ya en el canon. El público ha cambiado, claro, la manera de ver la vida también. Eso es lo bonito del teatro, que está vivo y que tenemos tantísimo de dónde elegir...»Si se le tira de la lengua al hablar de la programación de la temporada que se abre con 'El caballero de Olmedo', Laila Ripoll -aunque le cuesta decidirse- asegura que tiene muchas ilusiones puestas en el concierto de Jordi Savall y que siente interés por el trabajo que pueda hacer Marta Pazos con la Joven en 'El amor enamorado', de Lope. «Estoy muy contenta con la programación, conjuga cosas muy diferentes. No sabría elegir». Fri, 25 Sep 2026 08:30:45 +0200 Mauro Testa Una escena de 'El caballero de Olmedo'. Una escena de 'El caballero de Olmedo'. Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/critica-senor-teatro-desnudar-hipocresia-20260924174147-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/critica-senor-teatro-desnudar-hipocresia-20260924174147-nt.html Brillante puesta en escena la que lleva a cabo la compañía LaJoven de 'Un señor… cualquiera' de Mercedes Pinto. Una autora que, pese a su valía, ha quedado al margen de los relatos canónicos de la historia de la literatura y de su generación, la de la vanguardia. Mujer que se hizo a sí misma, arrastró un matrimonio lleno de turbulencias, se exilió por mandato de Primo de Rivera después de una conferencia sobre el divorcio, fue amante de Gómez de la Serna y contó entre sus admiradores a Luis Buñuel que adaptó al cine su novela autoficcional 'Él'.'Un señor... cualquiera' Autora Mercedes Pinto Versión Raúl Losánez Dirección escénica José Luis Arellano García y Mabel del Pozo Interpretación Paula Feror, Helena Lanza y Raúl Martín Escenografía y vestuario José Luis Raymond Iluminación Óscar Fernández Música original Koki Lortkipanidze Su vanguardismo no solo fue estético sino también moral. Ello está muy subrayado en la excelente versión que nos ofrece Raúl Losánez de 'Un señor… cualquiera' donde hace resaltar precisamente el carácter de farsa, de distanciamiento humorístico y, por supuesto, las relaciones amorosas que buscan la libertad frente a las normas opresivas. El texto de Losánez está preparado para que valoremos sin maniqueísmos el choque de dos mundos: el de la rigidez y la asfixia de los maridos frente a la ventana abierta de los sueños al que aspiran las mujeres. La obra es, por tanto, un alegato contra la maquinaria del acomodo en la que desembocan los matrimonios, contra esa maquinaria social que traiciona las pasiones, los deseos, los ideales. La obra tiene un aliento de modernidad realmente logrado. El escenario prácticamente desnudo, el expresionismo que distorsiona hasta la caricatura la conducta de los personajes masculinos, la utilización gestual del títere, el lirismo poético y simbolista que a veces está utilizado de forma irónica. Todo ello para dar rienda a una trama que se desarrolla con mínimos elementos, con un mínimo enredo, un bucle argumental donde unos personajes arquetípicos ( el marido, la mujer, el hijo, el amante y la sombra) sin perder el aire de época logran expresar algo profundo, cómo la sociedad hace de nuestra vida un guion preestablecido que repetimos de manera mecánica y lo confundimos con la felicidad. El espectáculo respira frescura, desparpajo, y en él el mensaje nunca traiciona su esencia dramática. En un texto aparentemente menor, el teatro que contemplamos es de una calidad fuera de dudas. Y buena culpa de ello la tienen las muy logradas interpretaciones que llevan a cabo Paula Feror, Raúl Martín y Helena Lanza. El arco en el que se mueven va desde la rebeldía o la hipocresía hasta el desdoblamiento psicológico y una muy lograda gestualidad. No se pierdan 'Un señor… cualquiera', es una sorprendente obra de cámara llena de aciertos. No busquen en ella amores y sentimentalismos trágicos, ni proclamas ideológicas. Busquen teatro y lo encontrarán. Thu, 24 Sep 2026 17:41:47 +0200 Ildre Sandrin Un momento de 'Un señor... cualquiera' Un momento de 'Un señor... cualquiera' Diego Doncel https://www.abc.es/cultura/teatros/critica-teatro-tendrament-mesa-silla-pareja-confusa-20260924174034-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/critica-teatro-tendrament-mesa-silla-pareja-confusa-20260924174034-nt.html 'Tendrament' Autoría, dirección: Judit Colomer y Pau Vinyals Escenografía: Judit Colomer Iluminación: Mireia Sintes Vestuario: Manuel Mateos Música: Clara Peya y Arnau Vallvé Intérpretes: Judit Colomer, Pau Vinyals. Teatre Akadèmia, Barcelona.Judit Colomer y Pau Vinyals lo guisan y lo comen en el escenario. Montan una mesa a la que acompañan de una silla para ser Judit y Pau, una pareja enredada entre el teatro y la vida. O, mejor, dicho, una pareja que hace teatro las veinticuatro horas del día. Teatro ante la platea y también entre los bastidores de la intimidad amorosa. Llevan así once años, desde que se conocieron en el transcurso de una representación del 'El sueño de una noche de verano'. La agraz convivencia ha puesto el sueño de Judit y Pau en tránsito hacia la pesadilla. La mesa y la silla son objetos cargados de memoria. Judit saca a colación a Paul B. Preciado, el filósofo de la teoría «queer» que se define como «hombre trans de cuerpo no binario». Cuando Preciado se vio en un piso vacío de Atenas coligió que «una mesa y una silla son una pareja complementaria que no admite preguntas». Un poco de barniz filosófico para revelarnos que Pau ha tenido un hijo con Judit, pero que sigue siendo tan bisexual como cuando se enamoró de ella ataviado del pícaro duendecillo Puck. Una pareja atrapada en la dialéctica permanente de la ideología de género.Judit y Pau interpelan al público. Sacan un billete de veinte euros y tientan al respetable a ver si alguien es capaz de darse un morreo en escena. Nadie corresponde a la propuesta. Porque el problema de 'Tendrament' (Tiernamente), que así se titula la pieza, es que, alcanzado su ecuador, el espectador sigue sin saber qué intentan decirle los protagonistas. ¿Montarse un Albee o un Bergman? ¿Marcarse unas 'Escenas de matrimonio' de Pepa y Avelino? Queremos pensar que no. El invento de Judit y Pau con hechuras de autoficción demuestra que a sus autores, directores e intérpretes les sobra la ambición. Lo dan todo -sobre todo Pau escalando paredes y haciendo cabriolas; pero el texto carece de la gasolina creativa que permita ir más allá del zigzagueo temático. Identidad sexual, vida en pareja, experiencias del teatro… Todo eso aparece sin llegar a ningún puerto. Esperemos que el próximo montaje de Judit y Pau esté mejor amueblado. Thu, 24 Sep 2026 17:40:34 +0200 'Tendrament' de Judit Colomer y Pau Vinyals 'Tendrament' de Judit Colomer y Pau Vinyals Sergi Doria https://www.abc.es/cultura/teatros/ballet-espanol-comunidad-madrid-vuelve-nacer-20260922181250-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/ballet-espanol-comunidad-madrid-vuelve-nacer-20260922181250-nt.html El 12 de octubre de 2024 se presentaba en los Teatros del Canal el Ballet Español de la Comunidad de Madrid. Solo han pasado dos años, pero la compañía ha atravesado en este tiempo muchas turbulencias, con la brusca –y temprana– marcha de su primer director, Jesús Carmona ; la asunción de la dirección de un triunvirato y su posterior disolución tras la dimisión de uno de sus vértices, Antonio Castillo Algarra , afectado por una crisis en la Consejería de Educación del gobierno regional.Tomó entonces las riendas de la compañía otra de las componentes de ese triunvirato, Mónica Fernández , barcelonesa, con una larga trayectoria al lado de artistas como Emma Maleras, Manolete, Manolo Marín, Rosa Naranjo, Merche Esmeralda, Ciro y, sobre todo, Antonio Canales , con quien trabajó durante dos décadas. El espectáculo que presenta este jueves 24 precisamente en los Teatros del Canal (se estrenó hace tres meses en Alcalá de Henares, aunque en una versión reducida) tiene un título más que significativo: ' Nascencia ' («Acción y efecto de nacer», define el Diccionario de la RAE). «La compañía se encuentra en un momento de renacimiento –dice Mónica Fernández–. Cuesta mucho que un conjunto tan grande tenga una identidad propia, y en los últimos meses hemos trabajado para conseguirlo; creo que ahora el Ballet Español de la Comunidad de Madrid tiene esa identidad muy marcada, y tiene muy claro la línea que quiere seguir».La danza española, con todos sus rostros, es esa línea que, asegura la directora de la compañía, va a seguir, y que va a verse en 'Nascencia', un espectáculo coreografiado por la propia Mónica Fernández, con el añadido de alguna coreografía cedida por Rubén Olmo , director del Ballet Nacional de España. La dirección musical es de Lucky Losada , miembro de una ilustre saga de nuestro flamenco.«El propósito de esta compañía desde el principio es salvaguardar nuestro patrimonio : el folclore, la escuela bolera, la danza estilizada, el flamenco más estilizado, y ahora también he incorporado un flamenco más tradicional, que es en el que yo más he trabajado. Pero nuestro objetivo es preservar toda la danza española, y en 'Nascencia' están presentes todas esas disciplinas».Esa necesidad de ponerle un sello a la compañía es la razón de ser de 'Nascencia', un espectáculo con vocación de contemporaneidad. «Es presentar la danza española de siempre adecuada a los tiempos que vivimos ahora –explica Mónica Fernández–; por ejemplo, se van a poder ver batas de cola abiertas y reversibles, pero batas de cola al fin y al cabo».'Nascencia', explica, es «una suite de danza española contemporánea que recorre el camino que va de la herida a la reconstrucción, entrelazando la fuerza de nuestras raíces folclóricas, la emoción del flamenco y la libertad de la creación contemporánea. Su singularidad reside en la manera en que convierte la resiliencia en experiencia escénica».Jóvenes generacionesEl espectáculo lleva su firma, pero Mónica Fernández quiere en un futuro «llamar a coreógrafos nuevos y consagrados, que tengan la oportunidad de dejar aquí su huella». No es, en el caso del baile clásico español, tarea fácil. «Cuesta encontrar coreógrafos solamente de danza española», confiesa. Y es que ese es uno de los grandes retos de este estilo, engullido tan a menudo por el flamenco. «Es verdad que de cara al público funciona más el flamenco, y que las compañías tiran más por ese lado... Pero en 'Nascencia', por ejemplo, los espectadores van a ver las 'Sonatas del Padre Soler'... pero de una manera distinta: tocadas por un violonchelo en lugar de por un piano».Inculcar a las jóvenes generaciones, preparadísimas desde un punto de vista técnico, el espíritu estilístico de la tradición, es otro de sus objetivos. «Ahora les dices que se aprendan una coreografía, les das un vídeo y se aprenden los pasos. Pero lo que generaciones anteriores vivíamos, con el coreógrafo trabajando contigo, tocándote, no lo tienen ahora... Y 'Nascencia' tiene también algo de eso: de explicarles en cada pieza lo que queremos contar. No se trata de mostrar. Al fin y al cabo ahora técnicamente saben hacer de todo; sale un chiquillo y te hace siete piruetas, que tú dices: '¡Madre mía!', pero a veces está todo vacío, porque da las siete piruetas pero no sabe lo que le quiere decir al público».«Quiero que el Ballet no dependa de un nombre, sino que se sostenga por sí misma»En lo personal, 'Nascencia' ha supuesto para la directora de la compañía, en primer lugar, «soltar muchas, muchísimas cosas que no sabría verbalizar ni explicar con palabras. He tenido un equipo que estaba en mi misma situación y con este espectáculo nos hemos abrazado y ha sido en muchos aspectos una catarsis».Mónica Fernández no baila en este espectáculo –«necesitaba centrarme en la compañía»–, pero en un futuro no lo descarta. «Pero quiero que el Ballet no dependa de un nombre, sino que se sostenga por sí misma y que los protagonistas de las historias que se cuenten sean los bailarines». Parte de esas historias futuras ya tienen forma. «En diciembre estrenaremos 'Cibeles', con coreografía de Miguel Ángel Corbacho , y después, en abril, haremos un homenaje a Encarnación López, La Argentinita, y la Generación del 27. Me fascina esa mujer poderosa, entre la tragedia y el éxito. Todavía estamos dándole vueltas a cómo y con quién lo haremos». Thu, 24 Sep 2026 07:55:44 +0200 Juan Carlos Toledo Una imagen de 'Nascenciia' Una imagen de 'Nascenciia' Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/muere-marcos-ordonez-voz-memoria-escritor-potente-20260921203129-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/muere-marcos-ordonez-voz-memoria-escritor-potente-20260921203129-nt.html Marcos Ordóñez tenía una voz potente. Por eso aquella noche de estreno teatral no le oí cuando me llamó desde la silla de atrás. No quedaba rastro de aquella tesitura de tenor. Al segundo requerimiento volví la cabeza y al verlo deduje que estaba muy malito. «Hola Sergi. ¿Te han enviado mi último libro? Se titula 'Una joven pareja'», dijo. Marcos era poderoso como las críticas teatrales que publicó en ABC y a partir del año 2000, en el suplemento 'Babelia' de El País. También literatura desde que debutó en 1988 con la novela autobiográfica 'El signo de los tiempos', a la que seguiría una veintena de títulos. A Marcos le gustaba la rumba catalana y se ponía camisas floreadas, pero también la onda siniestra de Joy Division. Biógrafo del Gato Pérez, Nuria Espert o Alfredo Landa, la evocación del Madrid donde Ava Gardner fue uno de sus libros más conocidos. O aquel «Jardín abandonado por los pájaros» en el que florecían los recuerdos de sus mayores. Me explicó que había grabado las conversaciones con su madre. La memoria materna, la de su padre -policía, escritor y letrista- componían una crónica familiar. Marcos era un escritor autobiográfico desde 1994, con 'Una vuelta por el Rialto'. Veinte años después volvía a sus mayores, con mirada más serena: «La juventud es arrogante, te crees que sólo eres tú, que no debes nada a nadie: este es un libro de gratitud a mi gente», me dijo. Su Barcelona era sensorial: «Ver cómo se hacían los pollos a «l'ast» era un espectáculo». Su método, que culminó en 2016 con 'Juegos reunidos', bebía del 'Habla memoria' de Nabokov y los 'Tres tristes tigres' de Cabrera Infante. Microclimas de un niño de clase media. Bocata de chorizo pamplonica y queso MG. La Barcelona de Joan Capri, Alady y Los Vieneses; un croquis de matriz proustiana con «lados» familiares: el popular Raval, el burgués San Gervasio. Afloraba así el «continente sumergido» de padres y abuelos. Su Madrid era la historia del padre, el inspector que identificó el cadáver de Calvo Sotelo en el cementerio del Este aquel sangriento julio de 1936. De sus primeras lecturas destacaba 'El fantasma de Canterville' en traducción del escritor y editor Mario Lacruz: «Nunca había sentido hasta ese momento la necesidad de escribir», confesaba. Después de aquella noche en que no alcancé a oír la voz -antes potente- de Marcos, solo llegaron a mí aciagas noticias sobre su salud y la de su pareja, Pepita. Su última novela, 'Una joven pareja', desprendía la luz que estrena la vida: «Iván y Patricia se enamoraron en la primavera del 79. Habían cumplido veintitrés años. A menudo olvidaban el reloj en casa. La vida todavía era barata y se venían arriba con dos de pipas. No pensaban casi nunca en el porvenir, y aún no se les había muerto nadie. Recordarían siempre la gloria de aquel día…» Aunque ha caído el telón, desde la platea seguimos escuchando aquella voz potente que el olvido no apagará. Mon, 21 Sep 2026 20:31:29 +0200 Isabel Permuy El escritor y crítico desaparecido Marcos Ordóñez El escritor y crítico desaparecido Marcos Ordóñez Sergi Doria https://www.abc.es/cultura/teatros/maria-pages-guarda-vida-danza-20260918011851-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/maria-pages-guarda-vida-danza-20260918011851-nt.html Qué tiene la muerte que, cuando llega, parece haber estado escondida en todas partes. En el nombre que heredamos. En la fotografía que guardamos. En la plaza a la que volvemos. En la obra que habla de quienes somos. María Pagés se llama María por su madre y 'Bilbao Square', el espectáculo que está a punto de estrenar en Centro Danza Matadero y que comienza desde una fotografía de las dos, junto a su abuela doña Maruja Mestres Pintó, llegando a Madrid. «Todo comenzó con una foto que descubrí organizando los archivos y me llamó la atención. Le dije a María: 'aquí hay chicha'», reconoce El Arbi El Harti, escritor, dramaturgo, director del proyecto junto a la bailaora, compañero de vida de Pagés. En la foto aparece ella, con 15 años, con la madre y la abuela en Las Ventas, un día después de la llegada de María a Madrid, a la casa donde vivió cinco años en la Glorieta de Bilbao. El espectáculo habla de una plaza, de un ágora donde la niña desarrolla lo que va a ser la Pagés, María Pagés, la bailaora, la coreógrafa, la mujer que es hoy. «Para mí es un regalo que Larbi me hace en un momento importante de tomar decisiones, un momento especial de la vida. Es el resultado de muchos años de conversaciones, de contar cosas que son entrañables, tiernas, interesantes. Cuando te hacen un regalo así hay que entregarse y devolverlo de la mejor manera posible . Es una obra muy exigente a todos los niveles. Es un regalo un poco complejo», añade María sin dejar muy claro a qué se refiere. «La madre de María se está muriendo en este momento», confiesa El Arbi mientras Pagés miraba hacia arriba. Dos días antes de publicar este reportaje compartían los dos el fallecimiento de Doña María Jesús Madrigal Mestres.«Yo quería que fuera un espectáculo y una fiesta», cuenta Larbi. «Pero lo va a ser. Tiene que serlo. Así ha sido concebido, y aunque estamos en circunstancias difíciles, me doy cuenta que la danza siempre es un refugio donde crear danza ayuda a sanar. Es muy especial», matiza María Pagés. Ambos dirigen el Centro Danza Matadero y estrenan de forma absoluta este espectáculo que cuenta, en el fondo, la historia de aquella niña que llega a bordo de un Citroën Tiburón negro acompañada de su familia, de devoción infinita por la Virgen de las Nieves y por la iglesia de Santa María la Blanca de Sevilla, que a los quince años los deja atrás para iniciar su formación como bailaora. La vida le ha llevado a recorrer el mundo entero con su arte, primero con la compañía de Antonio Gades, más tarde como creadora. Pagés ha sido siempre inquieta. Una mujer de preguntas, de juegos, de caminos que se bifurcan cuando parecía que solo había uno. Mientras otros seguían la inercia, se atrevió a detenerse, mirar alrededor y preguntarse qué más había. De ahí nace también una trayectoria difícil de encerrar en una etiqueta, la de una creadora que hizo de la curiosidad una forma de estar en el mundo. « Sentirse incomprendido forma parte de la vida. Antes parecía que ibas a hacer un sacrilegio con cada paso que dabas. Pero si hay algo que me sostiene es la convicción. La convicción cuando ves algo que eres capaz y que tiene una base de respeto y una base sólida de conocimiento. Y lo he hecho casi de una manera espontánea, impulsiva y con cierta ingenuidad. Tampoco me considero la más valiente del mundo. Creo que todo lo que he hecho corresponde a una visión que forma parte de tu educación, circunstancia, personalidad, curiosidad, y que además con la enorme fortuna de verse enriquecida con el trabajo junto con Larbi». Hace más de quince años que María Pagés y El Arbi El Harti aprendieron a crear juntos, ella desde el cuerpo y el flamenco; él, desde la palabra, la literatura y la dramaturgia. Desde entonces han construido una complicidad artística que les ha llevado a levantar juntos más de una quincena de obras. «Es muy probable que no se le haya comprendido en algún momento. Todo aquello que pueda considerarse como transgresión a la pureza puede ser casi una transgresión, pero la transgresión no existe, es creación del espíritu. María tiene su propia especificidad. El hecho de ser ese trío Cataluña-Andalucía-Madrid, de abuela catalana que emigra a Andalucía y madre sevillana, ese viaje y ese pasaje multicultural dentro de una unidad cultural ha hecho de ella una señora que sigue viviendo en tierra de nadie. Y para crear está bien estar en tierra de nadie», explica El Arbi El Harti. Cuando se conocieron, él asegura que apenas conocía nada sobre la danza . Quién lo diría escuchándolo ahora, que describe a su mujer como una artista profundamente arraiga en la tradición flamenca y al mismo tiempo en búsqueda de otras cosas. «El germen lo tiene en esa identidad múltiple que tiene, siendo española. Y eso significa que si hablamos de identidad española, o es plural o no es. El tema es que hoy nos toca, ahora en este momento, en este país maravilloso, hablar de qué es ser español, qué es España», añade.Y en esa búsqueda Pagés se perdió y en esa búsqueda sigue: «El trabajo conjunto parte de un amor, pero también llega a un lugar que no hubiera sido posible uno sin el otro. Romper barreras es seguir también lo que es el flamenco. Creo que el flamenco no se conoce en su profundidad y en su realidad, se conoce por la construcción de muchos estereotipos que han configurado un flamenco. Realmente, si quitamos todos ellos y nos quedamos con lo que realmente es el flamenco, sabemos que continuamente ha ido avanzando por la aportación de diferentes imaginarios que nos han puesto barreras. El propio flamenco está creado por lo que han ido aportando diferentes personalidades, culturas, formas de ver, de ser, de vivir. Y ahí ha ido esa dialéctica continua entre la tradición y la evolución. Si no, se habría quedado totalmente reducido y probablemente muerto», sentenciaba Pagés. A su lado El Arbi asiente con su cabeza. A veces entra en juego para discutir y en ocasiones simplemente escucha. Lo cierto es que María y El Arbi son la danza y la palabra. También al revés. Y 'Bilbao Square' no empieza con bulerías ni soleás. Arranca con la palabra. « Hay una idea seudorromántica sobre la danza de que es movimiento , como si el movimiento no conllevara palabras e ideas. Creo que primero está la palabra y de la palabra se bifurca todo. La palabra es fundamental. El movimiento desposeído no existe. Son fundamentales las ideas y esas ideas se concretan en palabras. En nuestra relación surge siempre la palabra. Porque la palabra somos familia, hablamos y discutimos y escuchamos. Entonces, todos nuestros trabajos empiezan con la palabra», explica El Arbi, a lo que añade Pagés: «La palabra para la danza es la danza, la palabra tiene su reflejo, su conexión en la danza como otra compañera de expresión. Para mí la danza y la palabra son lo mismo». Juntos han creado este proyecto donde la escenografía se sostiene sobre objetos cotidianos –el abanico, el bastón, la bata de cola, los libros o los zapatos– que dejan de ser simples accesorios para convertirse en personajes cargados de significado emocional, reforzando así la dimensión poética y narrativa de la obra. Todo con textos de El Arbi El Harti. Son los objetos básicos de cualquier bailaor. Los mismos para todos y, en cambio, con formas radicalmente distintas de emplearlos.Lo que va a ver el espectador en la sala son 63 años de danza. 63 años que también pasan factura en las rodillas. 63 años con operaciones y lesiones graves. 63 años aprendiendo a poner límites y dejarse atravesar por ellos. Pero también 63 años de luz. «Es una cuestión que estamos en continua conversación. Realmente el límite sí es necesario y sí es sanador, pero es muy difícil ponerlo. Es que no lo voy a negar. Tomar la decisión del límite, sobre todo porque el límite significa una renuncia, siempre, una renuncia que es lo que has hecho toda tu vida. Pero es verdad que hay que hacerlo y es un proceso que tengo que aceptar, que hay que aplicar y que hacer, sabiendo que además la danza te ofrece un montón de cosas. Ahora los dos estamos dirigiendo Centro Danza Matadero, que es como el gran milagro, es el lugar de la esperanza en un terreno como es la danza totalmente baldío y con muchísima precariedad, que es una palabra que usamos mucho, pero es la realidad y con mucha necesidad, con mucha necesidad». En este camino de danza, de idas y venidas, de lesiones, de mucha luz y fiesta María vuelve a los lugares donde nació. Todo empezó en la Glorieta de Bilbao. Todo empezó con doña Masu . Todo empezó con la palabra. Decía Pagés que 'Bilbao Square' es algo así como cerrar un círculo, pero vistos los acontecimientos, es cerrar la historia con una línea infinita que termina apuntando al cielo. Caprichoso es el tiempo que nos hace volver al principio cuando creíamos estar llegando al final. Hay algo de eternidad en levantar el telón y volver a bailar apenas unos días después de haber enterrado a una madre. Pero quizá la muerte no cierre nada: quizá, como el baile, transforme y deje habitando lo que ya no podemos tocar. Pagés insufla aliento de vida a la historia y lo hace con una ausencia, que ahora es presencia. 'En todo estás y tú eres todo. Para mí y en mí misma moras, ni me abandonarás nunca, sombra que siempre te asomas'. Rosalía de Castro. Amén. Mon, 21 Sep 2026 18:28:21 +0200 Belén Díaz María Pagés y El Arbi El Arti, en Centro Danza Matadero María Pagés y El Arbi El Arti, en Centro Danza Matadero Clara Molla Pagán https://www.abc.es/cultura/teatros/amistades-peligrosas-seductores-seducidos-20260917103512-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/amistades-peligrosas-seductores-seducidos-20260917103512-nt.html Crítica de teatro 'Las amistades peligrosas' Texto Christopher Hampton, sobre la novela de Pierre Choderlos de Laclos Versión Curro Novallas y David Serrano Dirección David Serrano Iluminación Juan Gómez-Cornejo Escenografía Ricardo Sánchez Cuerda Vestuario Elisa Sanz Música original y espacio sonoro Luis Miguel Cobo Intérpretes Roberto Enríquez, Pilar Castro, Ángela Cremonte, Carmen Balagué, Ivan Lapadula y Elisa Scianca Lugar Teatro Marquina, Madrid ***En 1872, siete años antes de la Revolución Francesa, Pierre Choderlos de Laclos escribió una novela, 'Las amistades peligrosas', muy leída y escandalosa en su día, en la que retrataba una sociedad decadente -su subtítulo era precisamente 'Cartas recogidas en una sociedad y publicadas para instrucción de algunos otros'- y presentaba a dos personajes, la marquesa de Merteuil y el vizconde de Valmont, dos libertinos tan inmorales como seductores. Sobre esta novela escribió el dramaturgo británico Christopher Hampton, que se estrenó en 1985 en la Royal Shakespeare Company con Lindsay Duncan como Merteuil y el siempre enigmático Alan Rickman Valmont. Tres años después, Stephen Friars rodó una adaptación cinematográfica que universalizó la historia (no era la primera ni fue la última, pero sí es la más popular).Narra la obra la perversa apuesta que llevan a cabo Merteuil y Valmont, amantes tiempo atrás; aquélla le reta a que seduzca a Cécil de Volanges, una joven recién salida del convento y prometida a un hombre del que la marquesa quiere vengar. Valmont, sin embargo, tiene otro objetivo: conquistar a Madame de Tourvel, una mujer casada y virtuosa. Las cosas, sin embargo, no salen como esperaban, y los sentimientos de ambos se acaban imponiendo hasta derivar en tragedia. Los seductores se convierten en seducidos. El abuso de poder es la columna vertebral de la puesta en escena de David Serrano que puede verse ahora en el Teatro Marquina. El director, también adaptador, junto a Curro Novallas, del texto, ha mantenido en éste la elegancia dieciochesca que posee, y lo contrasta con la esencialidad de la escena -un gran espejo roto flota sobre los intérpretes, pero en escena apenas hay un sofá y unas sillas- y el vestuario contemporáneo, con el que quiere subrayar la actualidad de la historia y permitir que el público sienta más cercanos y reconocibles a los personajes -durante la promoción de la obra se ha hablado a menudo de Jeffrey Epstein y Ghislaine Maxwell como referentes- que Hampton dibujó: atractivos, seductores, inmorales, inteligentes u calculadores, aunque no sepan evitar ser víctimas de sus propios sentimientos. Al impecable montaje se le puede achacar excesiva frialdad y falta de sensualidad, quizás también por ese carácter despojado que le ha querido dar Serrano. El día del estreno, además la función parecía marchar al ralentí y a media voz, a pesar del trabajo de los magníficos actores que la interpretan, de los que hay que destacar la imponente presencia de Roberto Enríquez, la actitud de Pilar Castro y la sabiduría de Carmen Balagué. Fri, 18 Sep 2026 10:35:12 +0200 Javier Naval Ángela Cremonte, Roberto Enríquez y Pilar Cadtro Ángela Cremonte, Roberto Enríquez y Pilar Cadtro Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/sara-baras-infinita-20260912141924-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/sara-baras-infinita-20260912141924-nt.html En un camerino tan poblado como el camarote de los hermanos Marx, Sara Baras bailaba de alegría con la mirada. Habían pasado cinco minutos desde que cayera el telón de su espectáculo 'Infinita' y comenzaba ahora el baile de abrazos, besos y reencuentros. La bailaora gaditana no podía disimular su felicidad, con esa voz de arena fina tan característica y con la adrenalina escapando por todos sus poros iba de unos brazos a otros. «¡Mira -gritaba asombrada mientras señalaba el antebrazo de un fan donde aparecía su cara tatuada-, mira lo que lleva ahí!».Porque Sara Baras despierta pasiones. El Teatro de la Maestranza , abarrotado -1.800 localidades- por un público que no era, decían los habituales, ni el público de la Bienal ni el público del teatro, sino que era el público de Sara Baras, lo había demostrado minutos antes aplaudiendo por sevillanas y puesto en pie a la artista y a su compañía. El estreno de 'Infinita' suponía su vuelta a ese escenario y a la Bienal de Flamenco de Sevilla después de catorce años de ausencia. En ese mismo teatro -»¡Sevilla es la ciudad más bonita del mundo!», gritó sobre las tablas- la gaditana ha estrenado espectáculos como 'Cádiz, la isla', 'Juana la Loca' o 'Mariana Pineda'. Y ella no podía ocultar su emoción al concluir el espectáculo: «Ha sido el estreno más difícil… ¡Hemos trabajado tanto…!», decía con el aliento quebrado y alguien a su lado le contestaba: «¿Y cuándo no?», mientras ella asentía con la cabeza.«Infinita» supone un significativo paso adelante en la trayectoria de Sara Baras, especialmente después de 'Vuela', su anterior espectáculo, dedicado a Paco de Lucía, por quien la bailaora siente una devoción casi religiosa. «El reto era grande», reconocía. Reto conseguido. «Es lo mejor que ha hecho», se escuchaba en el patio de butacas. Sara Baras firma un trabajo tan sobrio como hermoso, tan lleno de detalles como cuidado en su factura; salado y dulce al mismo tiempo, ensimismado y abierto según el momento. Lo ha dedicado a su tierra, Andalucía, y a sus ocho provincias. «Ocho mujeres -explica la bailaora-, ocho miradas y un solo latido, encarnan a Andalucía a través del flamenco».Pero no solo a través de este arte; en «Infinita» asoma el folclore andaluz y los ritmos se entrecruzan en una coreografía reconocible para los seguidores de la artista, pero que posee un perfume distinto. De la mano de Keko Baldomero, su guitarrista y director musical, que lidera un grupo de siete músicos -en el que destacan también la voz de Matías López 'El Mati' y el violín de Alexis Lefevre-, el escenario se convierte en el paisaje sonoro -y visual, gracias a las luces de Óscar Gómez de los Reyes- de la región andaluza: Huelva suena a fandango, Almería a taranto y a tango, Málaga a malagueña y a verdiales, Córdoba a Serrana, Jaén a trilla y aceitunera, Granada a granaína y abandolaos, Sevilla a soleá y a sevillanas, y Cádiz a tanguillo y alegrías… Después de este recorrido, el Maestranza rompió a aplaudir por sevillanas, anticipando el final del espectáculo. «No sabía si salir o seguir como teníamos previsto», reía Sara.Sara Baras, en un momento del espectáculo.. Laura LeónHa contado la bailaora para este viaje con ilustres compañeros; en 'Infinita' suenan las voces de José Mercé y de Antonio Banderas , que recita un texto escrito por él mismo: «...Ahora viviré la memoria de la mano en el hombro, de la mirada altiva y el paso acompasado, ahora van juntas, las ocho van juntas, simultáneas, radiantes, eternas, pero profundamente sencillas, como el reflejo de una luna de primavera en el río constante de la vida», se escuchó la voz de herrumbre del actor malagueño. Explica Sara Baras que el baile de mujer que sube al escenario en 'Infinita' «nace de la escucha, del respeto y del camino recorrido; que no pretende explicar ni cerrar, sino compartir una esencia que se transmite y permanece». Y se nota ese camino recorrido. La gaditana ha creado un espectáculo concentrado, que viaja desde la contención hasta el arrebato y el desahogo; tardó una hora en lanzar al público su primer beso y en abrir su primera sonrisa. Y es que en el baile de Sara Baras hay un poso de madurez, de deleite y disfrute que ha ido creciendo con los años. Lejos quedan los tiempos en que su baile era a menudo un alarde de facultades físicas y un desafío a sus leyes; mantiene un taconeo prodigioso, limpio, deslumbrante, pero ahora cabalga también sobre el movimiento de sus brazos, sobre la galanura, la templanza y la tranquilidad, acentuando esa musicalidad que siempre le ha acompañado. Como le sigue acompañando su carisma, su innata y extraordinaria capacidad de comunicación; Sara Baras -se ha dicho en varias ocasiones en estas mismas páginas- baila también con su sonrisa, con su simpatía y su felicidad, que contagia al patio de butacas. Nadie abraza como ella a los espectadores, tanto con su baile como con su encanto. Sara Baras ha demostrado en el Maestranza que es infinita. Sat, 12 Sep 2026 14:32:17 +0200 Laura León Sara Baras, en un momento de su actuación. Sara Baras, en un momento de su actuación. Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/leonora-retrato-mujer-rebelde-patetica-20260909012202-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/leonora-retrato-mujer-rebelde-patetica-20260909012202-nt.html Crítica de teatro 'Leonora' Texto y dirección Alberto Conejero Música y espacio sonoro Luis Miguel Cobo Iluminación Leticia L. Karamazana Asesoría de movimiento Luz Arcas Intérprete Natalia Huarte Lugar Teatro de La Abadía, Madrid ****La escritora mexicana Elena Poniatowska, premio Cervantes de 2013, dedicó una novela a Leonora Carrington (Lacanshire, Inglaterra, 1917-Ciudad de México, 2011) y dijo de ella: «Donde está Leonora está el surrealismo». Fue paseando por las calles de la capital del país norteamericano cuando Alberto Conejero (Vilches, Jaén, 1978) se tropezó con una obra de la artista inglesa y empezó a tirar del hilo de una de las grandes figuras del surrealismo, amante de Max Ernst, y cuya biografía es tan fascinante como desconocida.Leonora Carrington estuvo en España en los años 1940 y 1941 (Europa vivía en guerra y nuestro país trataba de levantarse de otra y vivía años terriblemente oscuros). Llegó después de que los nazis arrestaran a Max Ernst en París y en Madrid sufrió una violación grupal; su padre hizo que fuera ingresada en un sanatorio psiquiátrico de Santander. Dejó testimonio de aquellos días en unas durísimas memorias tituladas ' Memorias de abajo ', que han sido la falsilla sobre la que Alberto Conejero ha basado el monólogo que puede verse actualmente en el Teatro de La Abadía, prodigiosamente interpretado por Natalia Huarte.Dice el autor que la obra «es un acercamiento poético y libre al universo de Leonora Carrington», y que «no tiene la pretensión de la captura biográfica sino de presentar en escena fragmentos del espíritu indócil y sublime de la creadora». Conejero, efectivamente, esboza el retrato de una mujer en constante huida y en permanente conflicto con 'su estatus' y las expectativas que ha depositado en ella su padre, el verdadero antagonista -sin aparecer en escena- de este magnífico monólogo, convertido por momentos en un apasionante 'thriller', en el que el dramaturgo ha sembrado su desbordante capacidad poética. Es el retrato de una mujer patética -«que conmueve profundamente o causa un gran dolor o tristeza», define la RAE-, que hace de cada día de su vida un acto de superación, de resistencia y de rebeldía. A Conejero no le interesa tanto la cualidad de artista que adornaba a Leonora Carrington sino el empeño de una mujer -eso sí, con el carisma y la sensibilidad de una artista- en seguir adelante y no desfallecer a pesar de las agotadoras dificultades por las que atraviesa.No puede ponerse en pie un monólogo de esta naturaleza si no se cuenta con una actriz como Natalia Huarte , que ha decidido tomar de la mano al autor y al director (también a Luz Arcas , asesora de movimiento de la función) para subirse sin red posible a la cuerda floja y realizar un complicado ejercicio de funambulismo teatral. Natalia Huarte, navarra, nació para la escena en la tercera promoción de la Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico -su primer trabajo fue ' La noche toledana ', de Lope de Vega, en 2013- y a lo largo de los años se ha ido consolidando gracias a su capacidad de observación y absorción, a su trabajado talento y a una mezcla de fragilidad y potencia, apoyada en su voz grave y su esbeltez. Todas estas virtudes salen a flote en 'Leonora', un monólogo absolutamente iluminado por Natalia Huarte, capaz de encontrar naturalidad (e incluso humor) en sus rincones más poéticos, de despertar compasión en el público (al que mira en varias ocasiones a la cara, con el patio de butacas iluminado) por la terribilidad de su relato, y que pone, en definitiva, su personalidad al servicio de un personaje al que, entre Conejero y ella, han hecho que sea imposible no querer.  Fri, 11 Sep 2026 17:53:05 +0200 Susana Martín Natalia Huarte, en una escena de 'Leonora' Natalia Huarte, en una escena de 'Leonora' Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/critica-teatro-maquina-ia-demonio-20260910123329-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/critica-teatro-maquina-ia-demonio-20260910123329-nt.html Crítica de teatro 'Ella i màquina' Autoría y dirección Sergi Belbel Iluminación Kiko Planas Espacio sonoro Jordi Bonet Intérpretes Enric Cambray, Àgata Roca Lugar Heartbreak Hotel, Barcelona ****Una mujer enfrentada a su entorno familiar y social. El hijo le exige un ipod que ella no puede pagar con el chantaje de repudiarla como madre. El marido disfraza su inutilidad y pretende dejar el trabajo. La hija le reprocha falta de cariño. Una amiga tóxica le pide dinero para ponerse tetas mientras la compadece por su fracasada familia. El padre, en una residencia con la mirada perdida. Su peluquero la aturde con sus comentarios sobre el sexo… homosexual. El jefe de personal le propone reducir el horario laboral y el sueldo para que forme a los becarios . Uno de esos becarios la ningunea y humilla por su físico. Cuando se atreve a entrar en un chat de contactos le toca un menor de edad que se hace pasar por adulto… La mujer chapotea en este piélago de calamidades que una máquina le propone cambiar de raíz. La consigna: deja de ocuparte de los otros y céntrate solo en ti. Aunque para llegar a ser ella misma también necesite a alguien. En este caso, un artefacto capaz de congregar y modificar su interactuación con los demás. Sergi Belbel ha entendido que la IA ha llegado para quedarse con esta ácida comedia costumbrista. La 'máquina' es Enric Cambray , de quien recordamos su celebrada versión con Ricard Farré de 'Las mujeres sabias'. Como en la pieza de Molière vuelve a multiplicarse en el elenco de personas que amargan la vida de la protagonista. Él es el hijo y la hija, el peluquero y el padre, el marido y el jefe explotador, la amiga y el becario… Ella es Ágata Roca , con un personaje que nos recuerda a la profesora que encarnó en 'El imperativo categórico', la premiada obra de Victoria Szpunberg: aquella mujer madura e infeliz que ve cómo su mapa de la felicidad era una trampa. Una actriz que propina puñetazos con guante de seda y una sonrisa tan capaz de transmitir la sorna como la amargura. Dos intérpretes con solvencia para un texto condensado en una hora que pasa como una exhalación. Y en el aire, una pregunta: ¿Llevaríamos en la maleta esa máquina que nos promete la libertad? Fri, 11 Sep 2026 12:33:29 +0200 Teatre Barcelona Enric Cambray y Àgata Roca Enric Cambray y Àgata Roca Sergi Doria https://www.abc.es/cultura/teatros/flamenco-real-tradicion-libre-flamenco-20260910155115-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/flamenco-real-tradicion-libre-flamenco-20260910155115-nt.html El próximo 28 de octubre el Teatro Real, en coproducción con SO LA-NA Entertainment, inaugurará la IX edición de Flamenco Real , un ciclo que ha consolidado el Salón de Baile del Teatro Real como un tablao singular en el que conviven la raíz, la excelencia artística y la creación contemporánea. La nueva temporada prolonga la alianza iniciada el pasado año con festivales, peñas y fundaciones que preservan, estudian y proyectan el flamenco hacia el futuro. Así, a las peñas Juan Breva, La Perla de Cádiz, el Festival Internacional del Cante de las Minas, la Bienal de Flamenco de Madrid y La Platería, se unen ahora la Fundación Alalá , la Federación de Peñas Flamencas de Jerez, la Peña Flamenca de Jaén y la Peña Torres Macarena.La programación 2026-2027 propone nueve producciones, distribuidos en 31 funciones, con citas mensuales entre octubre y junio. En ellas, el cante, el baile, la guitarra y la percusión se sucederán en programas de uno, dos o tres protagonistas, acompañados por sus respectivos elencos, para ofrecer un recorrido por distintas generaciones, territorios y lenguajes del arte jondo.El arranque de temporada estará protagonizado por Arcángel , una de las voces imprescindibles del flamenco contemporáneo y ganador del Latin Grammy al mejor álbum flamenco por 'Al este del cante'. Su trayectoria, marcada por un profundo conocimiento de la raíz jonda y una permanente voluntad de búsqueda, encarna el espíritu de Flamenco Real: entender el flamenco como un patrimonio vivo, capaz de dialogar con el presente y proyectarse hacia el futuro sin renunciar a su identidad. La primera función, el 28 de octubre, comenzará a las 21:00 h; las de los días 29 y 30, a las 20:00 h. Tras Arcángel llegarán Juan de Juan, Daniel Casares y La Lupi ; Gema Moneo y Gabriel de la Tomasa ; El Yiyo y Cynthia Cano ; María Moreno y Benito Bernal; Farru y Antonio Sánchez; Salomé Ramírez y Álvaro Mora; y Eduardo Guerrero y Pino Losada . La temporada concluirá en junio con el encuentro de dos bailaoras de marcada personalidad creadora, La Moneta y La Piñona.PROGRAMACIÓN IX TEMPORADA FLAMENCO REAL 2026-2027 2026ARCÁNGEL. Fundación Alalá (Sevilla). Octubre: 28, a las 21:00 h., 29 y 30 a las 20:00 h. JUAN DE JUAN (baile), DANIEL CASARES (toque) y LA LUPI (baile). Peña Juan Breva de Málaga. Noviembre: 25, 26 y 27 a las 20:00 h. GEMA MONEO (baile) y GABRIEL DE LA TOMASA (cante). Federación de Peñas Flamencas de Jerez. Diciembre: 9, 10 y 11 a las 20:00 h. 2027EL YIYO y CYNTHIA CANO (bailaores). Peña Flamenca de Jaén. Enero: 27, 28, 29 y 30, a las 20:00 h.MARÍA MORENO (baile) y BENITO BERNAL (toque). Peña La Perla de Cádiz. Febrero: 24 y 25, a las 20:00 h. 26, a las 19:00 y a las 21:00 h. FARRU (baile) y ANTONIO SÁNCHEZ (toque). Peña Torres Macarena de Sevilla. Marzo: 17 y 18, a las 20:00 h. 19, a las 19:00 y a las 21:00 h. SALOMÉ RAMÍREZ (baile) y ÁLVARO MORA (toque). Festival Internacional del Cante de las Minas, La Unión. Abril: 28, 29 y 30, a las 20.00 h. EDUARDO GUERRERO (baile) y PINO LOSADA (toque). Bienal de Flamenco de Madrid. Mayo: 26 y 27, a las 20:00 h. 28, a las 19:00 y a las 21:00 h. LA MONETA y LA PIÑONA (bailaoras). Peña La Platería de Granada. Junio: 23, 24 y 25 a las 20.00 h. Fri, 11 Sep 2026 01:31:09 +0200 © Javier del Real | Teatro Real Gabriel de la Tomasa (cante), Salomé Ramírez (baile) y Álvaro Mora (guitarra) Gabriel de la Tomasa (cante), Salomé Ramírez (baile) y Álvaro Mora (guitarra) ABC https://www.abc.es/cultura/teatros/bestseller-redes-sociales-sustituyen-enmascaran-talento-20260906012333-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/bestseller-redes-sociales-sustituyen-enmascaran-talento-20260906012333-nt.html «En 'Bestseller' su autor, Ozkar Galán , hila muy fino; refleja de manera muy curiosa y divertida la sociedad actual, lo que estamos construyendo ahora a través de las redes sociales. Esa falsa apariencia de ser lo que no somos». Así se refiere Nacho Guerreros a ' Bestseller ', la obra en la que comparte escenario con Ana Arias, Rebeca Sala y Andrea Alvarado , y que, bajo la dirección de Gabriel Olivares , llega el miércoles 9 al Gran Teatro Pavón .Presenta a Paco, un talentoso escritor en horas bajas; su mujer cree que es un problema de promoción y contrata a una 'community manager' para que le ayude. A través de métodos exagerados y poco éticos -llega a presentar la novela como una obra relacionada con Federico García Lorca que él nunca escribió-, consigue un gran éxito en redes y Paco alcanza la fama, pero con una imagen poco real. La columna vertebral, añade Guerreros, es que «mi personaje no sabe que es un mediocre y cree que si no se proyecta al exterior y se coloca en un escaparate virtual no va a conseguir absolutamente nada en el mundo actual».Los actores conviven actualmente con las redes sociales. «A mí no me ha ocurrido -dice Ana Arias-, pero por desgracia tengo compañeros que no han podido acceder a determinado 'casting' por no tener un número de seguidores adecuado ; se están mezclando las cosas de una manera... Debería ser más importante la meritocracia, el talento, la capacidad de comunicar... Tu capacidad como actor».«Hay gente -completa Nacho Guerreros- con un buen contenido, que habla de todo: de deporte, de nutrición, de ciencia, del lenguaje... Pero al mismo tiempo hay contenido tan banal y tan vacío , y desgraciadamente con tanto poder de captación. Hay un vacío muy extraño en nuestros días... Y es una pena, porque el talento es fundamental, y un influencer con talento y con buen contenido también lo es; las redes son también una forma muy valiosa de adquirir conocimiento».«Como lo fue en su día la televisión -añade Ana Arias-, que debería ser utilizada para eso y no para lo que lo está siendo, como adoctrinamiento; debería ser utilizada para poder expandir el conocimiento y poder hacernos mejores y más sabios. Sin embargo, está siendo extraño, sí».Los dos actores han obtenido gran popularidad en la televisión -en series como 'Cuéntame' o 'La que se avecina'-. ¿Han sustituido las redes a la televisión como trampolín? «Conviven las dos», responde Arias mientras Guerreros asiente. «La televisión sigue siendo muy importante. Las plataformas han sustituido a esa televisión familiar que conocíamos , pero conviven con las redes, aunque estas tienen cada vez más fuerza».El teatro como termómetroTanto Ana Arias como Nacho Guerreros vuelven, sin embargo, al teatro en cuanto pueden. «Para mí es un termómetro -dice la actriz-. A todos los actores que hacemos ficción se nos conoce más por la televisión o por el cine, pero jamás he abandonado el teatro y, de hecho, mis mejores trabajos han sucedido en una salita enana con diez espectadores. Pero no reniego de la televisión, le debo tanto...»Interviene el actor: «Como dice mi amigo José Luis Gil , 'el teatro es la madre del cordero del actor'. Nosotros pertenecemos a una de las profesiones más antiguas del mundo y que nació de la necesidad del ser humano de expresarse. Y el teatro, para mí, tiene que ver con vivir mi profesión desde ahí. Por supuesto, estoy feliz de tener trabajo, y las series y la ficción te dan una popularidad tremenda y puede que captes espectadores para el teatro… El teatro -resume- es muy importante en mi profesión».A actores como ellos, tan marcados por sus personajes televisivos, el teatro les permite también que el público les conozca, dice Guerreros, «en otro lugar y en un registro totalmente diferente»; «Y nos permite desarrollar -completa Arias- aspectos que en otros medios no podemos. En la ficción tenemos la ventaja del 'corten'. En el teatro sales y te echan a los leones a ver qué pasa. Te da otro tipo de habilidades de de carácter y saca de ti otras cosas como como actor».Cuando se levanta el telón, además, es el actor el dueño de su trabajo; no depende del director -aunque tenga sus directrices- ni de un realizador-. «El teatro es un trabajo en equipo pero a la vez estás muy solo -asegura Nacho Guerreros-. En esta obra somos cuatro pero, a la vez, cada uno va desarrollando su personaje solo, sabiendo que si se equivoca puede meter a los demás en el cesto de la equivocación y eso implica una responsabilidad muy grande… Da mucho miedo dejar vendidos a tus compañeros». Pero, aunque parezca magia, en esos momentos de zozobra aparece el personaje. «Alguna vez -confiesa Ana Arias-, cuando me he encontrado en un momento de duda, me he puesto a pensar en el escenario: 'Da igual lo que tú sientes, ¿qué es lo que a ella le pasa? Y me ha ayudado».«Es el sexto sentido que debemos tener los actores -insiste Nacho Guerreros. Tú no eres tú del todo, aunque sabes que eres tú... Es muy raro de entender si no se pertenece a la profesión. Alguien que lea esta entrevista puede pensar: '¡Esta gente cómo está!'. Y no es así, claro que sabes que eres Nacho, pero al tiempo sabes que en escena eres otra persona y debes convivir con ella durante al menos una hora y media». «Y que todas las reacciones y todo lo que te suceda en ese momento -rubrica Ana Arias-, si tú toses, no toses tú, tose tu personaje, que se ha atragantado. Cualquier cosa que suceda, ya no te está pasando a ti, sino al personaje». Fri, 11 Sep 2026 01:23:33 +0200 Alejandro Palacios Rebeca Sala, Ana Arias y Nacho Guerreros, en 'Bestseller'. Rebeca Sala, Ana Arias y Nacho Guerreros, en 'Bestseller'. Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/andres-lima-risa-elemento-distanciador-obliga-espectador-20260910012251-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/andres-lima-risa-elemento-distanciador-obliga-espectador-20260910012251-nt.html De la mezcla entre anarquismo, feminismo y sicalipsis nace ' Libres!!! ' un espectáculo con trazas de cabaret libertario, con texto de Esther F. Carrodeguas y dirección de Andrés Lima , que se estrena este viernes en el Teatro de La Abadía , donde estará hasta el 11 de octubre. Se trata de una coproducción de Teatro del Barrio con el Comisionado para la celebración de los cincuenta años de España en libertad. Alba Flores, Laura Galán, Nüll García y Eva Valdelomar (al piano) son las intérpretes del espectáculo.La idea partió de Ana Belén Santiago, directora artística de Teatro del Barrio. Una vez puesto el proyecto en manos de autora y directora, comienza el proceso de creación de un espectáculo donde los cuplés son parte fundamental . «Son todos originales, aunque algunos de ellos se han versionado, y de ahí sale todo el montaje», dice Andrés Lima. «La música es la misma, sin embargo. Son de los años 20 y 30 y corresponden a esa vertiente del cuplé más ligado a lo político, a lo social y a lo burlesco también: 'La sindicalista', 'La diputada', 'Comunista' -que cantaron Carmen Flores, Amalia Molina y Carmelita Aubert , respectivamente-… Esther ha readaptado la letra. Pero claro, en el cabaret son las intérpretes quienes mandan de algún modo con su presencia, su canto y su baile».La sicalipsis, una corriente de la escena española de principios del siglo XX que empleaba una sensualidad y sexualidad bastante explícitas para la época, aunque normalmente presentadas de forma humorística, insinuante o provocadora, llevó a Andrés Lima a imaginar un cabaret. «Tanto la sicalipsis como el teatro de cabaret de Karl Valentin que se hacía al mismo tiempo en Alemania son deudores, o por lo menos se retroalimentan unos de otros, del Cabaret Voltaire de Hugo Ball y Emmy Hennings , que dio pie al dadaísmo… En el fondo era sicalipsis. En España estaba Tórtola Valencia , una 'performer' que no tiene nada que envidiar a Marina Abramović. También Raquel Meller o La Chelito eran mujeres con un discurso que aparentemente parece solo picante, pero que no es solo eso; aunque de todos modos, el picante en los años 20 equivale a ser bastante revolucionario. Es un movimiento que me apasiona», dice el director.'Mujeres libres', organización feminista y anarquista, fue creada en 1936 con el objetivo de conseguir la emancipación de las mujeres. Algunas de sus figuras más destacadas fueron Lucía Sánchez Saornil, Mercedes Comaposada y Amparo Poch y Gascón . Las tres aparecen en la función junto a un sinfín de personajes como Emilia Pardo Bazán, La Pasionaria, Clara Campoamor, Victoria Kent, Guillermina Rojas, Emma Goldman, Federica Montseny o el propio Manuel Azaña. Su contexto era una actividad teatral muy rica, donde las mujeres ocupaban un lugar muy importante. «Ellas eran las dueñas de la escena, pero todo fue silenciado al terminar la guerra. Y es una pena porque es un movimiento, por supuesto, origen de muchas ideas feministas, pero es también muy importante desde el punto de vista artístico».La sicalipsis tiene, según Andrés Lima, el mismo sentido que tenia entonces. «A mí me interesó además de por ser un género cabaretero bastante sorprendente y divertido -yo lo relaciono mucho con el punk de finales de los 70-, porque hoy en día sufrimos una pequeña regresión en cuanto a ideas sobre la moralidad, que van muy ligadas al movimiento ultrarreaccionario que hay en todo el mundo, no solo en Europa. Este movimiento era puramente humanista, vitalista, juguetón y contestatario, transgresor... Sus ideas libertarias juegan con algo muy importante para mí, que es la fraternidad universal, esa idea del abrazo tan importante, que va en directa oposición a toda la violencia y el ruido que está generando la ultraderecha».Lo que más impresiona al director de las mujeres que conformaban el movimiento es « su valentía en un mundo en el que lo tenían todo en contra . Todo, absolutamente, porque si ahora la mujer todavía sigue en un régimen patriarcal con muchas cosas en contra, en aquella época lo tenían todo; no tenían ni voto». También le ha seducido «su inteligencia, porque no solo proponen derechos básicos… Es que lo hacen con una tremenda inteligencia. Y yo creo que esa aplicación del libertarismo, del anarquismo, es algo que debemos de escuchar hoy en día. Muchas de sus ideas de organización política y ciudadana son muy, muy interesantes».'Libres!!!' es, asegura su director, un « espectáculo básicamente muy divertido . Para mí era importante que el cabaret impusiera sus leyes, para que lo que nos cuentan, que en muchos casos es muy serio, tengamos la capacidad de tomárnoslo a guasa, porque ahí dentro está la autocrítica. La risa es un elemento distanciador que obliga al espectador a pensar. Y no solamente disfruta, sino que piensa. Hay veces en que te ríes de algo que es tremendamente trágico y eso te remueve bastante». Fri, 11 Sep 2026 01:22:52 +0200 Laura Ortega Laura Galán, Alba Flores y Nüll García, en 'Libres!!!'. Laura Galán, Alba Flores y Nüll García, en 'Libres!!!'. Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/satira-els-joglars-estalla-impostura-politica-tiempo-20260909092747-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/satira-els-joglars-estalla-impostura-politica-tiempo-20260909092747-nt.html Hay veces que el arte teatral analiza la sociedad en la que surge. Eso ocurre con la nueva y remozada propuesta de Els Joglars , tan crítica como siempre, tan divertida y tan perturbadora. Con ella celebra los sesenta y cinco años de la compañía, un camino de éxitos, de polémicas y de resistencia. Els Joglars nunca ha creado un teatro conciliador, ha hecho de la incomodidad de sus posturas el combustible que mueve todos sus espectáculos. De naturaleza y tradición bufonesca, en él todo es hipérbole, las distorsiones se exageran hasta tal punto que crean un lenguaje propio, un efecto que marca sus textos y sus puestas en escena siempre tratando de incidir en la realidad, mostrando su cara más detestablemente divertida y cómica. En 'El retablo de las maravillas. Variaciones contemporáneas sobre un tema de Cervantes ', Boadella y Fontserè no traen, por eso, a un Cervantes apolillado, sino que lo muestran como un espejo donde el espectador de hoy puede preguntarse por nuestras servidumbres contemporáneas, vestidas con los trajes de la corrección política, el postureo cultural, los nuevos dogmas y la solemnidad de las verdades vendidas como indiscutibles. El resultado es tan brillante que la farsa cervantina se convierte en un diagnóstico mordaz: el retablo sigue vacío cuatrocientos años después. No importan los cambios, los regímenes, las revoluciones, los avances tecnológicos. En la obra de Cervantes, unos farsantes llegan al pueblo de Daganzo mostrando un prodigio: un retablo cuyo contenido solo pueden ver aquellos que tienen limpieza de sangre y han nacido en un matrimonio legítimo. Verdaderamente nadie contempla ninguna maravilla porque no la hay, pero todos fingen verla pues de lo contrario van a tener encima el dedo acusador. Ese mecanismo de miedo, impostura y mentira colectivas, que la compañía ya nos mostró en su versión de 2004, se actualiza hoy, en este tiempo dominado por las pantallas, las redes sociales y la exhibición pública. Allí donde Cervantes ponía el temor a ser considerado judío, marrano o bastardo, ahora se coloca el pánico a ser considerado reaccionario, ignorante, negacionista o políticamente incorrecto por los voceros y tribunales digitales.Crítica de teatro El retablo de las maravillas Texto Miguel de Cervantes y Albert Boadella Dramaturgia Albert Boadella y Ramón Fontserè Dirección artística Albert Boadella Interpretación Ramón Fontseré, Pilar Sáenz, Dolors Tuneu, Javier Villena, Bruno López-Linares, Rafa Blanca, Pep Muñoz Espacio escénico Joana Martí Construcción, escenografía y atrezzo Pere Llach y Gerard Mas Diseño de iluminación Bernat Jansà Diseño de vestuario Pilar Sáenz Vestuario época Dolors Caminal Ajustes musicales Xevi Capdevila Puede verse en Teatro Fernán- Gómez/ Sala José Guirao Valoración **** El retablo aquí ya no es una caja de madera, ahora se centra en una pantalla, único objeto de un espacio escénico acertadamente minimalista por el que se quiere simbolizar que las redes sociales y los artefactos digitales son los nuevos salones para la exhibición, la aprobación dentro del grupo o la cancelación. La sátira apunta a que preferimos ser gregarios a quedar aislados, preferimos sumarnos al vacío colectivo que al sentido común, preferimos el espacio de confort de lo aceptado a quedar en la intemperie, castigados por la muerte civil o el linchamiento público.Boadella y Fontserè eligen tres campos donde el nuevo retablo de las maravillas exhibe sus dominios: la religión, el arte de vanguardia y la gastronomía. De ellos salen los nuevos gurús contemporáneos. Los vendedores de humo. En este sentido hay que destacar el trabajo interpretativo de toda la compañía, pero sobre todo de Ramón Fontserè, Dolors Tuneu, Pep Muñoz, Rafa Blanca, Pilar Sáenz, Javier Villena, Bruno López-Linares, cada uno en verdadero estado de gracia. Aquí está José, hijo de los Condes de Daganzo y Chanfállez, el pícaro y alma del retablo. Sus desdoblamientos entre el personaje cervantino y el actual son magistrales, cuestión que se llevará incluso al vestuario donde se mezcla lo contemporáneo y el Siglo de Oro . La galería de personajes que representan dan la medida de nuestro tiempo: ese ser plano, superficial y pasmado capaz de ser el memo clásico y a la vez el hombre de hoy sin personalidad, dócil hasta la náusea, el deslumbrado por la cocina moderna deconstruida y por el arte cuyo vanguardismo se mide por la creación de un vacío ante el que se siente arrobado. También el estafador sin escrúpulos, el chef que llena de jerga gastronómica sus creaciones, el galerista que embauca al público vendiendo recetas de la nueva estética. Todo es aire, todo es nada: las novísimas creaciones artísticas, la novísima gastronomía, incluso la religión. Lo esperpéntico, lo exagerado, lo cómico y lo grotesco se disparan sobre una realidad con nombres y apellidos: por aquí desfilan el suplemento cultural Babelia, el diario El País, un tipo llamado El Coletas, una galerista llamada Rosina, un Museo que tiene por nombre Museo Reina Letizia. El artista Don José defeca junto a un Pollock y convierte sus excrementos en una sublime obra del nuevo arte, un predicador se eleva a los cielos. Los disparates de Els Joglars no tienen filtro, no buscan la sutileza sino el puñetazo en el estómago y la provocación directa, el escándalo de los que se toman demasiado en serio sus dogmas y de los que se ofenden por verse reflejados. Un humor gamberro, bizarro, tantas veces soez y desmitificador, pero brillante, crítico y esperpéntico que señala que todo lo que los personajes tienen de solemnes, lo tienen de ridículos, todo lo que tienen de superioridad ideológica lo tienen también de estupidez y de patetismo. 'El Retablo' es una obra naturalmente centrada en los personajes, aunque quizá tengamos que advertir que el verdadero personaje no es otro que el público. La obra somete al patio de butacas a preguntarse si no es también cómplice de todo este estado de cosas, si no participa en ver las maravillas fantasmales de este retablo contemporáneo, si cada espectador no es a la vez dócil y embaucador, si no participa y crea toda esta mentira. Esta ruptura de la cuarta pared es otro de los grandes aciertos de la obra porque funciona como un agujero negro que todo lo absorbe, que hace que nadie se salve, que provoca un mensaje desalentador: todos somos victimarios y víctimas, todos propagamos el vacío y la impostura. Interesante obra, muy inteligente y muy lúcida a la hora de representar los títeres de nuestros días. A la hora de representar un estado cultural en decadencia. Es una propuesta arriesgada y polémica, que creará debate. Otra vez Els Joglars nos hace beber nuestro propio veneno. A golpe de risa. Wed, 09 Sep 2026 09:33:58 +0200 ABC Una escena de 'El retablo de las maravillas', de Els Joglars Una escena de 'El retablo de las maravillas', de Els Joglars Diego Doncel https://www.abc.es/cultura/teatros/marta-poveda-irresponsables-20260905013332-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/marta-poveda-irresponsables-20260905013332-nt.html El diccionario de la Real Academia define, en una de sus acepciones, la palabra 'irresponsable' como: «Dicho de una persona: que adopta decisiones importantes sin la debida meditación». Algo de eso hubo cuando Marta Poveda levantó el brazo y se postuló delante de los productores para dirigir, además de interpretar, ' Las irresponsables '. Pero lo suyo no fue, dice, irresponsabilidad: «Quería vivir este reto de dirigir e interpretar a la vez».Y no se arrepiente. «Al contrario, estoy feliz. He contado con una ayudante de dirección que es una de las mejores actrices que conozco, Rocío Peláez , que se ha subido en muchos momentos a escena, comprendiendo la estructura de mi personaje, para que yo pudiera hacer el dibujo de la función. Se trata de una comedia, y la comedia es todo coreografía, todo partitura, no hay tanta organicidad. Ha sido complejo, pero he aprendido tanto…»'Las irresponsables' es una obra escrita por el argentino Javier Daulte que vio la luz en el festival Temporada Alta de Gerona en octubre de 2021, con dirección de Silvia Munt , y se vio después en la Sala Villarroel de Barcelona, que el propio Daulte dirigió entre 2005 y 2010. Sube ahora al escenario del Teatro Maravillas de Madrid , bajo la dirección de Marta Poveda, a quien acompañan en escena Angy Fernández y Eva Ugarte.Cuenta la obra la historia de tres amigas, Lila, Fabi y Nuria, que se reúnen durante un fin de semana en una casa de campo para acompañar a la primera, que acaba de sufrir una ruptura sentimental. Lo que empieza como un encuentro entre amigas -Lila y Fabi son además hermanas- pronto se convierte en una conversación cada vez más incómoda sobre sus relaciones, sus frustraciones y los deseos que normalmente mantienen bajo control. Entre confidencias, alcohol y viejas rivalidades, las tres empiezan a plantearse qué ocurriría si dejaran de comportarse como se espera de ellas . Lo que empieza como una escapada para ayudar a una amiga termina convirtiéndose en una cadena de decisiones cada vez más imprevisibles, donde los límites entre lo correcto y lo incorrecto comienzan a desdibujarse y cada intento por arreglar la situación solo consigue empeorarla.Marta Poveda viene de dirigir un Lope de Vega, ' La francesa Laura '; asegura que no hay tantas diferencias a la hora de poner en pie un texto en verso y una comedia contemporánea. «'Las irresponsables' es prosa, pero no deja de ser una partitura. Dirigir una u otra no deja de ser como conducir un coche u otro; tienes que ir por una carretera y tienes que llegar al destino. La comedia es música, ritmo, pausa, escucha; es una especie de de partido de tenis entre las actrices . La estructura no es tan rigurosa como en el verso, pero el ritmo sí ha de ser igual de riguroso. Lo que se busca siempre es seducir al público».Se ha dicho siempre que la clave para hacer comedia es hacerla con verdad. «Sí -corrobora Marta Poveda-, pero paradójicamente, todo es artificio porque si tardas un microsegundo más en dar una réplica, pierdes el gag. Insisto: es música pura, música y verdad».Una decisión de Lila -«una barbaridad», la define Marta Poveda- desencadena una situación caótica . «La relación entre las tres es lo que la provoca. Lila piensa que está respaldada, hay un abuso de confianza por su parte y aprovecha la situación para hacer a Fabi y Nuria un chantaje emocional y para cometer una auténtica irresponsabilidad. Es la típica locura que tu cerebro comete cuando estás en un momento de barranco emocional. Piensas que eres el protagonista del mundo, que tu padecimiento es el más grave del planeta y que todo lo que hagas es por supervivencia, cuando en realidad estás siendo un absoluto imbécil.Asegura la directora que «la comedia está tan bien escrita que invita a la reflexión; habla de todas esas pautas que hay que cumplir; aunque nos digamos que no, que ahora ya somos mucho más laxos, no es así; la sociedad nos sigue pidiendo que nos casemos, que tengamos hijos, que tengamos nuestros trabajos de 8 horas, que nuestros hijos vayan a una guardería, que la educación sea tal… Nos está pidiendo que estemos envueltos en una burbuja y que estemos encadenados a ella; y la burbuja se convierte en una especie de bola de presidiario para que funcione el sistema. Esta función juguetea -en clave de comedia, eso sí- con la idea de qué pasaría si rompiéramos todo eso, si nos lo cargáramos. ¿Hasta qué punto te sientes frágil y débil y necesitas volver a eso o hasta qué punto dices: 'me la juego'?»¿Y le permite una comedia así 'jugar' al teatro de otra manera a una actriz como Marta Poveda, acostumbrada a un repertorio más 'sesudo? « Yo no puedo trabajar si la función no me motiva, no me motoriza . Es verdad que este texto no es Chéjov, no es Buero Vallejo, pero esconde una reflexión interesante. Y lo hace en un espacio más lúdico y liberador. Pero yo tengo la suerte de poder dar estos saltos en mi carrera. Soy súperafortunada». Wed, 09 Sep 2026 08:34:16 +0200 ABC Una escena de 'Las irresponsables' con Angie Fernández, Marta Poveda y Eva Ugarte Una escena de 'Las irresponsables' con Angie Fernández, Marta Poveda y Eva Ugarte Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/amistades-peligrosas-historia-eterna-fragilidad-abuso-poder-20260901012457-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/amistades-peligrosas-historia-eterna-fragilidad-abuso-poder-20260901012457-nt.html La historia de ' Las amistades peligrosas ' se remonta a 1782. Ese año -poco antes de la Revolución Francesa- Pierre Choderlos de Laclos escribió una novela epistolar que hablaba de deseo, manipulación, poder... El dramaturgo británico Christopher Hampton la adaptó a la escena hace cuatro décadas para la Royal Shakespeare Company -más tarde la llevarían al cine Stephen Frears o Milos Forman , entre otros-; este texto es el que ha puesto en pie David Serrano , adaptador y director de una producción que vio la luz en noviembre pasado y que llega ahora al Teatro Marquina , donde estará en cartel entre el 18 de septiembre y el 8 de octubre. Pilar Castro y Roberto Enríquez encarnan respectivamente a la marquesa de Merteuil y al vizconde de Valmont; el resto del reparto lo componen Ángela Cremonte, Carmen Balagué, Iván Lapadula y Elisa Scianca.«¡Es un texto tan rico…! -Pilar Castro abre la conversación- Posiblemente es el mejor texto con el que he trabajado, al menos en el teatro. Cada página propone una reflexión filosófica. En un momento como éste, tan tecnológico y tan fugaz, decir un texto así me llena muchísimo como actriz y como persona». «Es una obra de un feminismo absolutamente vanguardista -interviene Roberto Enríquez, porque lo que propone con respecto a la mujer y a la cárcel en que le ha encerrado la sociedad es muy brillante».'Las amistades peligrosas' cuenta la historia de dos aristócratas; la marquesa de Merteuil reta al vizconde de Valmont a conquistar a mujeres que considera inaccesibles, pero él termina enamorándose de una de ellas y rompe las reglas del juego. «Los dos personajes son atractivos, seductores, simpáticos, carismáticos -coinciden los dos actores-. Su juego seduce al espectador, que ve cómo poco a poco se van destruyendo a sí mismos por no conectar con lo que el sentido de la vida te propone, con las fragilidades y las vulnerabilidades conectadas contigo y con el otro. Este cambio en ellos es es interesantísimo».Atemporal«David Serrano -desvela Roberto Enríquez- ha despojado la función de todo lo que tenga que ver con el siglo XVIII; de pelucas, polvo, maquillaje, volantes, corsés... Es un montaje atemporal, y es increíble la vigencia que tiene la obra. Los personajes no hablan, es verdad, con un lenguaje cotidiano, se asemeja más al lenguaje shakespeariano que al actual, pero tiene una vigencia brutal y despojarla de artificios, dejar la historia en el chasis funciona y está muy vigente».Y es que, aseguran los dos, la sombra de Jeffrey Epstein, el financiero estadounidense condenado por explotación y abuso sexual de menores, planea sobre la historia. «Habla -sigue Pilar Castro- sobre todo del abuso de de poder, que se convierte en algo terrorífico y destructivo cuando se deshumaniza al otro. Habla también de las relaciones amorosas, con las que todos nos sentimos identificados, y que nunca pasan de moda; habla de confundir el el amor con la posesión, el poder con el abuso… Y habla de habitar la fragilidad, de conectar con nuestros sentimientos más primarios».Completa el actor: «Y también habla de una clase hiperacomodada que no tiene otro cometido en la vida que distraerse con sus juegos eróticos, de poder ; una clase social amanerada en todas sus actitudes completamente agotada y que unos años después pasará por la guillotina. Hay algo en la obra de fin de ciclo que se parece mucho a lo que estamos viviendo ahora».Los dos personajes se ven, en la obra, superados por sus sentimientos, que son incapaces de controlar. «La marquesa de Merteuil siente algo por Valmont que quiere controlar, domesticar, dominar, pero es más fuerte que ella, y al final se pone de manifiesto que es vulnerable también, y que por más que quiera tener sus sentimientos bajo siete llaves, no es capaz».DesacuerdosEmpiezan las desavenencias entre los dos actores con respecto a sus personajes. Pilar Castro habla de Merteuil como una mujer obligada «a que tapar constantemente sus sentimientos para tener poder frente a los demás en una época en que las mujeres no tenían los mismos privilegios que los hombres. Es protofeminista, ya lucha por las libertades de la mujer ». «Yo creo que luchaba por su propia libertad -disiente Enríquez-; ella quiere tener libertad. Los privilegios que tiene, y que no tienen otras mujeres, se los cocina ella en secreto; es como un criminal que comete el crimen perfecto sin dejar ningún rastro, cosa que no tendría que hacer un hombre». «Pero hemos conquistado muchas cosas…», protesta Pilar Castro. «Sí, pero en ese sentido yo creo que sigue siendo lo mismo -sigue el actor-. A una mujer hoy en día que sea muy libre sexualmente se le pone un titular que no es nada agradable. Un hombre, sin embargo, muestra su hombría, su poder; ese tópico sigue funcionando. Al margen de eso, lo brillante de Merteuil es cómo en un entorno completamente hostil consigue hacer lo que ella quiere y doblarle el brazo a todas las normas sociales y morales sin que eso tenga perjuicios para ella. No depende de nada y disfruta de todos los privilegios que puede tener un hombre».«No estoy de acuerdo -responde la actriz-. Para conseguir las libertades que tiene un hombre ha de sacrificar muchísimas cosas. Sobre todo, no puede mostrar su vulnerabilidad, porque si lo hace la destruyen. Ella paga un precio para gozar de los mismos privilegios y las mismas libertades que los hombres». «Pero la vulnerabilidad es un denominador común en el hombre y la mujer, argumenta Enríquez.Confiesa Pilar Castro que lo que más le ha costado como actriz es la contención, «Merteuil no puede mostrar nada, y eso es muy complicado porque pierde el control. Pero para ello ha tenido que aprender y construir una imagen que el hombre no necesitaba ». «Esa es la historia de todas las mujeres que se han salido de su rol preestablecido», interrumpe Enríquez. «Sí, pero con una diferencia, ella no quiere estar sometida. La diferencia es que no se somete, se pone al nivel de lo peor que tiene el patriarcado. Y el abuso de poder, da igual que seas mujer u hombre, al final acaba destruyéndose». Tue, 08 Sep 2026 01:24:58 +0200 Javier Naval Roberto Enríquez y Pilar Castro, en una escena de 'Las amistades peligrosas' Roberto Enríquez y Pilar Castro, en una escena de 'Las amistades peligrosas' Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/six-victimas-enrique-viii-asoman-cabeza-voz-20260829014830-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/six-victimas-enrique-viii-asoman-cabeza-voz-20260829014830-nt.html «Divorciada, decapitada, enterrada, divorciada, decapitada, salvada». Así se presentan las seis protagonistas de ' Six ' en el primer número del musical que se estrenará el 17 de septiembre -habrá funciones previas desde el 12- en el Teatro Rialto de Madrid , en cuyo escenario estará hasta el 8 de noviembre. Se trata de una obra que vio la luz en el Fringe del Festival de Edimburgo en agosto de 2017; dos años después llegó al West End londinense, donde continúa en cartel, y se ha podido ver también en Estados Unidos, Australia, Canadá, Japón, Países Bajos, Alemania, Italia o China, entre otros.Una reciente gira europea pasó por Barcelona en 2025, pero la que se estrena en Madrid es la primera producción española del título. Julia Gómez Cora , productora argentina afincada en España desde hace 27 años y que trajo a nuestro país títulos como 'El fantasma de la Ópera', 'Mamma Mia!' o 'El rey león', es la responsable del proyecto. Fue, cuenta, una publicación en Instagram de los Javis -«éste es nuestro nuevo musical favorito», escribían desde Londres- la que le alertó sobre la existencia de 'Six'. «Empecé a investigar sobre él; pensaba que era para una generación determinada, un éxito pasajero, y cuando pude viajé a Londres. Confieso que i ba sin muchas expectativas, pero me encantó como espectadora y como productora. Es un musical muy valiente que, como 'Hamilton' en su día, ha roto con todos los paradigmas del género; no se parece a nada».'Six', escrito por Toby Marlow y Lucy Moss, tiene estructura de concierto -dura 85 minutos- y en él las seis esposas del Rey Enrique VIII de Inglaterra, un monarca tan carismático como narcisista y cruel, cuentan su historia «con mucha energía, mucho humor y una música muy pegadiza». Catalina de Aragón, Ana Bolena, Jane Seymour, Ana de Cléveris, Catalina Howard y Catalina Parr aparecen en el escenario como si fueran Beyoncé, Avril Lavigne o Adele.Rotura con RomaEnrique VIII reinó en Inglaterra entre 1509 -tenía 17 años cuando subió al trono- y 1547, fecha de su muerte. Se casó el mismo año de su coronación con Catalina, hija de los Reyes Católicos españoles y viuda de Arturo, hermano de Enrique. El monarca no consiguió tener un hijo varón y quiso romper su matrimonio, pero el Papa se negó a concederle la anulación. Enrique VIII rompió entonces con Roma y creó la Iglesia de Inglaterra , bajo la autoridad de la Corona; así pudo declarar nulo su matrimonio y casarse con Ana Bolena. Esta tampoco pudo darle un hijo varón y fue decapitada tras ser acusada de adulterio, incesto y conspiración. Jane Seymour, tercera esposa del Rey, murió en el parto de su hijo Eduardo. La cuarta esposa fue Ana de Cléveris, alemana; fue un matrimonio concertado a distancia y al monarca no le gustó cuando la conoció y el enlace fue anulado poco después. Llegó entonces Catalina Howard, que fue acusada de adulterio apenas un año después de casarse y acabó decapitada, al igual que Ana Bolena. Y la sexta esposa fue Catalina Parr, que sobrevivió a Enrique VIII. Una imagen de la producción británica de 'Six'. Pamela RaithClara Lanzani, Udara Zubillaga, Beatriz Santana, Liz Tatis, Arianna Galletti y Alba Egilo encarnan a las seis Reinas, acompañadas por una banda íntegramente femenina de cuatro músicas y con tres alternantes -Clara Rengel, Bárbara Dias y Flor Lopardo-, que rotan mucho. «Es un musical que no se parece a nada -sigue Julia Gómez Cora-. Son solo ellas, las seis mujeres, que se van presentando y compiten para ver quién fue la más perjudicada por Enrique VIII. Hay un guion muy inteligente, las canciones nos cuentan mucho y hacen que nos identifiquemos con ellas, porque muestran valores como el empoderamiento femenino».Añade la productora que los autores se dieron cuenta de que «en los musicales convencionales los patrones eran casi siempre los mismos y quisieron romper; quisieron que estuviera un poco más reflejada la diversidad que las sociedades tienen hoy en día, con artistas de distintas razas y distintas constituciones, para demostrar que todos podemos bailar, cantar y actuar. Eso ha hecho que el 'casting' haya sido muy especial -en el reparto hay españolas, argentinas, italianas, portuguesas y dominicanas-. Cada una aporta una personalidad y una energía únicas porque este musical no es simplemente una réplica de lo que se hace en Londres; lo es, y ha venido a Madrid todo el equipo de la producción original, pero cada una de las actrices aporta buena parte de su propia personalidad y energía a la construcción del personaje; ninguna se parece a otra».Fenómeno globalJulia Gómez Cora se refiere a 'Six' como «un fenómeno global desconocido en España ». Como prueba se incluyó Barcelona en la gira europea del espectáculo; «me sorprendió porque el público que vino ya conocía las canciones y estaba familiarizado con el musical. Evidentemente eran los más 'fans', pero durante las tres semanas de exhibición vinieron a verlo 20.000 personas. Eso nos animó a traerlo a Madrid, donde ocupa un espacio que no ocupa ningún otro; es una novedad en una cartelera que tal vez está un poco cansada de ver la tercera versión de un determinado título. Además, atrae público nuevo, a mucha gente joven, y yo creo que como productores también tenemos la obligación de construir ese público del mañana».Sabe bien de lo que habla la productora, que lleva más de un cuarto de siglo en Madrid y ha visto la vertiginosa evolución del teatro musical en nuestro país. «La cantera de talento es muchísimo más amplia ahora, porque no solo hay muchas escuelas sino porque, al haberse convertido Madrid en el Broadway de habla hispana atrae a chicas y chicos de toda América Latina, que sueñan con subirse a un escenario en Madrid. Se ha desarrollado también la industria, y eso se puede ver en la adaptación de este musical; es quizás el mayor reto de la producción, porque hay que conservar el humor original, el tono irreverente, sus referencias contemporáneas… Y que se entienda, funcione y encaje musicalmente para conectar con este público que no tiene nada que ver con el público inglés. Y el hecho de haber desarrollado la industria también hace que tengamos adaptadores que entiendan el tono y conozcan su trabajo. Pero creo que en este tiempo, por el contrario, hemos creado un monstruo y hay mucha oferta, de manera que hay muchos títulos en cartelera y, aunque el público ha crecido mucho, yo creo que en los últimos años se ha estancado un poco». «De todos modos, me quedo con lo positivo; el talento, el público… que los musicales se han convertido en un atractivo turístico, y eso es algo que se ha logrado en relativamente poco tiempo». Y concluye barriendo, lógicamente, para casa. «Por eso me gusta mucho traer algo tan fresco, tan nuevo y nunca visto como 'Six', para seguir haciendo atractiva esa cartelera madrileña». Mon, 07 Sep 2026 08:34:02 +0200 Six el musical Udara Zubillaga, Arianna Galletti, Beatriz Santana, Alba Egilo, Clara Lanzani y Liz Tatis. Udara Zubillaga, Arianna Galletti, Beatriz Santana, Alba Egilo, Clara Lanzani y Liz Tatis. Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/els-joglars-cumple-anos-piensa-jubilacion-20260903013712-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/els-joglars-cumple-anos-piensa-jubilacion-20260903013712-nt.html En mayo de 1961, un joven director barcelonés, Albert Boadella , organizó un curso de mimo; de allí saldría el núcleo -el propio Boadella, Antoni Font y Carlota Soldevila- que, siete meses después, crearía Els Joglars . Sesenta y cinco años después, la compañía sigue en activo -«no hay ninguna en Europa tan longeva como nosotros», presume el dramaturgo. Els Joglars celebra este aniversario con la puesta en escena de 'El retablo de las maravillas', subtitulada 'Variaciones contemporáneas sobre un tema de Cervantes', con dramaturgia de Ramón Fontseré -desde 2012 director de la compañía- y el propio Boadella, que dirige la función. Estarán en el Teatro Fernán Gómez del 4 al 27 de septiembre.Cuando se le pregunta a Albert Boadella por el 'secreto' para la continuidad de Els Joglars, dice que «la creación de una estructura fuera de la ciudad, en un lugar fantástico que permite una dinámica de ensayos y de trabajo… Es una estructura casi de empresa familiar. La compañía acumula a lo largo de los años tradición, experiencia, una forma de trabajar que se va pasando de unos a otros; es también una escuela para los que entran nuevos. Y por fin, habría que hablar de cohesión en los objetivos de quienes forman Els Joglars. Se la juegan todos; no hay un administrador ni un empresario. Así empezamos y así seguimos».A pesar de dejar la dirección de la compañía en 2012, Albert Boadella ha seguido estrechamente vinculado a Els Joglars, cuya batuta, sin embargo, lleva Ramón Fontseré. «Entré en 1983 y para mí fue un impacto el sistema de trabajo, de jugar, de entender el teatro, incluso el sitio donde está situada, que es un sitio precioso, con la cúpula. Cuando Albert me dijo que tenía que dejar la dirección, decidí continuar: no quería perderlo porque lo que habíamos creado era una utopía ; y claro que me asustaba, pero me dije: 'Ya que hemos llegado hasta aquí, voy a seguir para que esto no se acabe, para que no tenga un final'».Ha habido momentos muy difíciles que hicieron zozobrar el barco; los recuerda Boadella. «Cuando tuve el conflicto con los militares tras el estreno de ' La torna ' en 1977 -fue detenido y se escapó a Francia mientras esperaba un consejo de guerra- y me exilié en Francia; rehíce la compañía en Perpiñán. Fue una cuestión de tozudez: 'No me vais a joder la compañía'. Fue el momento más duro, pero hubo más: el boicot que se nos hizo en Cataluña, la comunidad en la que habíamos nacido todos los que estábamos y por la que girábamos bastante. Los ayuntamientos de Convergència nos boicoteaban… Pero en lugar de pensar en tirar la toalla, eso nos dio más fuerza. No hay nada como tener buenos adversarios...»Ramón Fontseré interviene, y habla de la «ética y la estética» de Els Joglars. « Mantenemos nuestra forma de entender el teatro, el juego del teatro . También la inspiración en la realidad que nos envuelve, a veces inmediata, a veces más lejana». «Y nuestra idea -interviene Boadella- de que el teatro no es literatura. Es, en cualquier caso, poesía, música, pero no literatura».Albert Boadella. De San BernardoEsa relación con el entorno es la que ha generado más dolores de cabeza a la compañía, porque 'molestar al poder' es una constante en la trayectoria de Els Joglars. « No nos hemos censurado absolutamente en nada , pero hay formas de decir las cosas», dice Ramón Fontseré. «Cuando ves que hay reacción en alguna administración o en alguna persona, tienes la sensación de que lo que hacemos sirve de algo, de esto no hay duda -completa Boadella-. No es que seamos masoquistas. Preferiríamos no tener inconvenientes, pero…»Asegura el dramaturgo que el mayor problema que existe hoy en día, «y que hay que vigilar, es el de la autocensura. Toda la trama de programadores está sujeta en el fondo a la administración, a los ayuntamientos o comunidades, que tienen determinados signos políticos. Es lo que yo llamo la cultura de estado. Esta unión de la política y la administración de la cultura pues provoca la autocensura, porque los programadores no quieren cabrear al consejero o al concejal de turno». «Esto no ocurría en los años ochenta o noventa -apostilla Fontseré-. Había más libertad en este sentido; Muchas de las cosas que hacíamos entonces serían ahora un escándalo tremendo».También, dicen los dos, ha cambiado el público. « Era mejor público el de los comienzos de la compañía ; era más libre y se armaban unas broncas del carajo, unos pateos... Era enormemente exigente, y esto ha desaparecido; se levantan a aplaudir en menos que canta un gallo. Sin duda alguna, yo añoro el público de los inicios», lamenta Boadella.Hablan los dos de que el teatro no es literatura, pero Els Joglars ha vuelto a Cervantes, y a su 'Retablo de las maravillas', que ya montaron en 2004, y en el que unos farsantes hacen creer a un pueblo que solo las personas de 'buena sangre' pueden ver un espectáculo invisible. «Es una función muy actual -justifica Fontseré-. Si Cervantes viviera ahora no daría abasto con la multiplicación de retablos ». Su puesta en escena actual es mucho más esencial que la de hace dos décadas. «Hemos hecho lo máximo con lo mínimo, pero creo que el espectáculo es más entendible y más trabajado que el anterior, más concreto». «Y dramáticamente hemos conseguido aspectos mejores, y la metáfora funciona todavía mejor».«El teatro -continúa Fontseré- es un espejo que confronta al espectador con la realidad; quizá nosotros mostramos una realidad todavía más real que la oficial. Y esos complejos, esas cosas que la gente no se atreve a decir por lo que sea; por pereza, por mecanización, por miedo a que le llamen facha, los ponemos sobre el escenario. Y creo que está bien, hay que desacralizar algunas cosas, tomar distancia sobre ellas» Los dos coinciden en que quedan Joglars para rato. «Hemos pasado épocas espléndidas y épocas menos espléndidas, otras muy difíciles. Es una compañía muy entrenada en circunstancias complicadas. Y hay jóvenes que dirigirán la compañía, seguramente, dentro de 10 o 15 años. No le veo final -concluye Albert Boadella, mientras Ramón Fontseré asiente- a Els Joglars». Fri, 04 Sep 2026 08:34:23 +0200 Els Joglars Una imagen de 'El retablo de las maravillas' , con Ramón Fontseré. Una imagen de 'El retablo de las maravillas' , con Ramón Fontseré. Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/electra-jonda-tragedia-griega-muda-cortijo-andaluz-20260902174919-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/electra-jonda-tragedia-griega-muda-cortijo-andaluz-20260902174919-nt.html Cuarenta años después de su escritura, ' Electra Jonda ', un texto que escribió el escritor y realizador de televisión Juan Guerrero Zamora sobre la tragedia de Sófocles, vio la luz en el reciente Festival de Teatro Clásico de Mérida de la mano de Manuel Canseco , un ilustre y veterano lobo de mar de nuestra escena. El montaje llega ahora a los Teatros del Canal , donde estará del 5 al 18 de septiembre, con un reparto integrado por Alejandra Torray -hija del autor y quien ha desempolvado la obra-, Carolina Lapausa, Paula Colorado, Teresa Hernández y Gabriela Giménez (que se alternan como Casandra), Juan Gea, María Garralón, Daniel Miguelañez, César Lucendo, Jaime Puente y Ainhoa Molina, junto al guitarrista José Luis Montón y la compañía Ibérica de Danza, que actúa como coro. «Guerrero Zamora traslada la tragedia a un cortijo andaluz -cuenta Canseco-, aunque curiosamente mantiene los nombres originales: Clitemnestra, Electra, Agamenón. Guerrero Zamora fue en su momento un hombre importantísimo en nuestro teatro y nuestra televisión, y tenía un gran conocimiento de los clásicos. Pero hay algo que me parece remarcable -y hemos tratado de hacerlo en nuestra puesta en escena-, y es que García Lorca está detrás; el problema de la mujer, la soltería, la madre capaz de manejar la casa y convertirse en 'el amo'... hay muchísimas cosas que yo diría que son lorquianas».Se trata de un montaje de grandes proporciones -incluye un caballo en escena-. «Hay veintidós personas en escena, a lo que hay que sumar el equipo técnico», cuenta Canseco, que ha tenido que modificar el montaje en este trasvase de Mérida a los Teatros del Canal. «El concepto del espectáculo es el mismo, lógicamente, pero aquí se presenta más condensado, pero no pierde su esencia».Se refiere Canseco a la historia, que parte del asesinato de Agamenón a manos de Clitemnestra y Egisto, y de la obsesión de Electra por vengar la muerte de su padre, para lo que espera el regreso de Orestes. «La principal bondad del texto fue olvidarse de todas las Electras anteriores; o mejor dicho, no olvidarse de ninguna y crear una Electra propia en la que la idiosincrasia de los personajes es la de un cortijo andaluz; todo tiene su coherencia. No hemos querido subrayar ese andalucismo en el lenguaje, sin embargo, porque no había por qué, es una historia universal. Pero la escenografía, con una gran mesa de comedor, con balas de paja, nos remiten a un campo andaluz».No se lo ha puesto fácil, confiesa, el autor, «y hemos tratado de hilar las escenas para que pasemos, de una forma natural, de un cementerio a una mesa de comedor». Canseco ha encontrado en el coro esa bisagra necesaria; es un coro particular, y su voz es el movimiento, ya que lo forman los miembros de la compañía Ibérica de Danza, que dirigen Manuel Segovia y Violeta Ruiz del Valle. Habitualmente dedicado al folclore, el conjunto escapa aquí, según Canseco, de este estilo. «Le pongo por ejemplo. Hay un momento que Orestes le pregunta a Electra: '¿Por qué no te has casado, hermana?' Y ella se ve arropada por el coro, como si todas las mujeres solteras estuvieran con el mismo dolor, y la acompañan en él mientras ella dice su texto. Ahí no hay folclorismo, hay el movimiento lógico del cuerpo».«Electra -concluye el director- es uno de los caracteres mejor perfilados y uno de los personajes más estudiados de literatura universal. Su vida carece de sentido desde que su padre, Agamenón, cayera asesinado por su madre, Clitemnestra, y su amante, Egisto. Su única esperanza estriba en el regreso de Orestes y en que pueda convencerlo para que mate a los autores del regicidio. Pero el rasgo que mejor define el verdadero carácter de nuestra protagonista es su sed de venganza. La misma Electra lo manifiesta en la versión de Sófocles: 'Vio mi padre su muerte vergonzante por las mismas dos manos que se han adueñado a traición de mi vida, las mismas que me han arruinado. ¡Ojalá que a esos el gran dios Olímpico en pago penas padecer procure, y que no consigan disfrutar del triunfo tras haber cometido tal crimen!» Thu, 03 Sep 2026 18:04:48 +0200 Jero Morales Alejandra Torray y Carolina Lapausa, en 'Electra Jonda'. Alejandra Torray y Carolina Lapausa, en 'Electra Jonda'. Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/natalia-huarte-publico-genera-vulnerabilidad-bonito-superarlo-20260828012243-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/natalia-huarte-publico-genera-vulnerabilidad-bonito-superarlo-20260828012243-nt.html Leonora Carrington (1917–2011), británica, nacionalizada mexicana, escritora y artista vinculada al surrealismo. Ella es la protagonista de un monólogo, 'Leonora', que llega el jueves 3 al Teatro de La Abadía , donde estará hasta el día 13, con dirección de su propio autor, Alberto Conejero , e interpretado por Natalia Huarte . El poeta y dramaturgo jiennense se topó con la artista «vagabudeando por México». «Me topé -relata- con una de sus esculturas y quise conocerla. Descubrí su universo y vi que estuvo en nuestro país, y que aquí le ocurrieron episodios fundamentales de su biografía. Leí 'Memorias de abajo', su autobiografía. Y así apareció 'Leonora'».El monólogo, sigue Conejero, no quiere «cerrar el personaje ni 'darle voz', que no le hace falta; he intentado que cualquiera de nosotros pueda ser Leonora Carrington. He querido invocarla para que nos reconozcamos en ella . No pretendo ser fiel históricamente; no hay en la obra ningún episodio que no esté en 'Memorias de abajo', pero yo los ensancho poéticamente». Leonora toma voz y cuerpo en Natalia Huarte, una actriz de voz grave y mirada vigilante, capaz de transmitir al tiempo fragilidad y robustez. «Hay algo de esa invocación de la que habla Alberto que aparece en la obra, pero no queremos contar al espectador quién es Leonora Carrington -aunque hemos hecho varias funciones y hemos visto que el público se interesa por ella y quiere ir a buscar su obra y a conocerla. Es un personaje muy grande, con tanta potencia, que me traspasa de todas las maneras». « Yo no me invento mis mundos, sino que el mundo me ha inventado a mí », cita Alberto Conejero a Leonora Carrington para explicar que su obra y su vida están absolutamente ligadas; una obra que no es solo pictórica, sino también es escultórica, es literaria, teatral, fotográfica... Fue una creadora plena y una de las figuras fundamentales del surrealismo. Su obra y su vida están absolutamente ligadas; precisamente escribió 'Memorias de abajo', creo yo, para que su biografía no dejara atrás su obra, para que no se la comiera. Ella cuenta que su psiquiatra le dijo: 'Leonora, escribe todo lo que te ha ocurrido para poder superarlo'. Siempre existe relación entre la vida y la obra, se retroalimentan la una a la otra, pero las obras que se hacen universales y sobreviven no demandan de la biografía de quien las hizo. Digamos que, por fortuna, se independizan. Demófilo decía: 'Hasta que el pueblo las canta, las coplas, coplas no son'. Ocurre igual con los cuadros; si uno se asoma a la obra de Leonora Carrington y luego hace lo mismo con su biografía comprende los impulsos, los dolores, las esperanzas, todo lo que hay detrás. Pero su obra es muy poderosa. La obra de Leonora no necesita de la biografía de Leonora para validarse, y sin embargo la biografía de Leonora arroja luz sobre la sobre la obra»..Momento históricoA Natalia Huarte le fascinó esa biografía. «Creo que conozco a pocas personas a las que le hayan pasado tantas cosas. La obra habla de un momento histórico muy concreto, la Segunda Guerra Mundial. Leonora llega a España después de que termine la Guerra Civil enamorada de un hombre mayor que ella. No nos importa tanto el amarillismo de la biografía como saber quién es esa persona; cómo consigue, teniendo la muerte tan cercana tantas veces, salir hacia delante y no victimizarse nunca. Y creo que hoy en día es importante transmitir ese arrojo y esa pulsión vital en un momento histórico que no nos pilla tan lejos; hay similitudes constantemente, estamos ante una mujer que se atreve a reivindicarse como mujer libre, que nombra el ecofeminismo, que nombra la tierra, los animales, lo esotérico, el misterio. A mí, como mujer del siglo XXI, me dice muchas cosas».«Estamos ante una mujer que se atreve a reivindicarse como mujer libre, que nombra el ecofeminismo, que nombra la tierra, los animales, lo esotérico, el misterio. A mí, como mujer del siglo XXI, me dice muchas cosas» Natalia Huarte ActrizActriz y personaje aparecen y desaparecen durante el monólogo, explica la actriz. «Entendimos que debía de haber un cuerpo de hoy;: me atrevo a apelar al público directamente y es Natalia quien le habla al público… Pero con el texto de Alberto Conejero, que tiene una serie de capas poéticas, naturalistas, que cuenta el presente con voces del pasado. No hay un lugar autoficcional ni aparece la primera persona hablando de mí. Pero en un momento pensé: ¿cómo hago para que estas palabras tan grandes puedan entenderse hoy? Y ahí es donde aparece Natalia, pero no porque haya ningún elemento biografico mío, sino porque había que poner en el escenario esa potencia, esa fuerza que yo tengo».Hay un 'segundo actor' que es el público. En él piensa Alberto Conejero cuando escribe: «Siempre, porque soy un autor de de teatro. Aunque la literatura dramática para mí el centro, yo soy el primer espectador, el primer público de de mi obra. Cuando se escribe teatro ya hay una escisión, y se construye el espacio teatral en esa literatura. El teatro, para mí, es la corriente que se da entre el escenario y el público, y pienso siempre en él; pienso en su capacidad de atención hoy en día, pienso en no subestimarlo, en no ser soberbio con él. No se trata de rendirse a él, sino de encontrar un punto de encuentro que sea sugestivo para todos. No escribo para el público ni contra el público, sino con él».«El teatro, para mí, es la corriente que se da entre el escenario y el público, y pienso siempre en él; pienso en su capacidad de atención hoy en día, pienso en no subestimarlo, en no ser soberbio con él. No se trata de rendirse a él, sino de encontrar un punto de encuentro que sea sugestivo para todos. No escribo para el público ni contra el público, sino con él» Alberto Conejero Autor y directorY Natalia Huarte, en 'Leonora', les pide a los espectadores desde el principio que le den la mano, «Que podamos hacer ese viaje juntos. Es importante, porque les miro directamente a los ojos, se rompe durante el espectáculo la cuarta pared. Tiene su riesgo, porque cuando entras en escena eres una persona vulnerable, y mirar directamente al público puede jugártela en contra; puedes leer mal esa mirada. Pero es parte de la vida, ¿no? Estamos muy centrados en el yo, en un lugar muy individualista, y nos olvidamos de que somos con el otro. Y y que a veces el otro pues nos lo pone más fácil, más difícil... Pero ha de haber encuentro con el otro, y el teatro va de eso, de estar juntos durante un rato compartiendo un viaje, sin pantallas , sin móvil, sin redes sociales, y he de atreverme a asumir la mirada del otro, a sentirme mirada, a que el otro se vea mirado; creo una cosa muy bonita del teatro es mirar y dejarse mirar. A veces es incómodo, claro, pero el público es siempre necesario y te causa una vulnerabilidad, pero es bonito superar esa dificultad».'Leonora' es el segundo monólogo que aborda Natalia Huarte. El primero fue ' Psicosis 4.48' , de Sarah Kane, donde trabajó con la coreógrafa Luz Arcas , que forma parte también esta vez del equipo, «Nos ayudó -dice la actriz- con la parte física. En 'Psicosis 4.48' ella me enseño a entender que había una herramienta física que era muy teatral y que podía poner en escena lugares que a veces suplen la escenografía; gracias a ella entendí que un cuerpo en escena también es escenografía, también cuenta, también hace espectáculo . Yo había trabajado mucho con la palabra, pero quizás no tanto con con lo físico, con lo que es capaz de expresar el cuerpo. Y ese aprendizaje me ayudó mucho a la hora de trabajar con Alberto. Luz y él son muy amigos, y sus poéticas encajan perfectamente. Y sus miradas hicieron que yo me sintiera también muy libre a la hora de poder crear y de poder proponer. Yo tenía muy claro que él iba a saberme guiar, que es lo que, para mí, es un buen director; no debe de tener ideas preconcebidas sobre ti, aunque te haya imaginado. Es precioso que lo haya hecho, pero en el proceso el director ha de seguir viéndote, descubriéndote, y no darte por hecha. Y Alberto no lo hizo en ningún momento; yo proponía algo y él podía aceptarlo o no, pero yo me sentía muy libre de proponer. Creo que, lo puedo decir así abiertamente, me he sentido mucho más creadora, como actriz,que en anteriores ocasiones. Tue, 01 Sep 2026 12:02:02 +0200 Tania Sieira Natalia Huarte, en los jardines del Teatro de La Abadía de Madrid Natalia Huarte, en los jardines del Teatro de La Abadía de Madrid Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/china-busca-aproximacion-cultural-occidente-traves-opera-20260826010455-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/china-busca-aproximacion-cultural-occidente-traves-opera-20260826010455-nt.html La ópera tradicional china hunde sus raíces en los siglos X y XI, y con el paso del tiempo ha ido evolucionando en sus formas; Zaju, Kunqu, Yueju, son algunas de ellas, aunque la que ha impuesto su estética, sus historias y sus personajes arquetípicos es la Ópera de Pekín . A principios del siglo XX surgió una nueva derivada, la Ópera china, «que se refiere, específicamente, a la forma operística en estilo occidental interpretada en el idioma chino, es decir, un género que surgió a principios del siglo XX, que combina estructuras operísticas occidentales con elementos musicales chinos».Lo cuenta Feng Li , dramaturga y actual presidenta del China National Opera & Dance Drama , una compañía que presentará ' Tierra salvaje ' los días 1 y 2 de septiembre en el Gran Teatro Caixabank Príncipe Pío de Madrid. La obra cuenta con música de Jin Xiang y libreto de la escritora china Wan Fan basado en la obra teatral 'Yuan Ye', y la partitura combina instrumentos tradicionales chinos y elementos propios de la Ópera de Pekín.«'Tierra Salvaje' es un hito dentro de las óperas chinas originales -explica Feng Li-. Adopta la estructura de la ópera occidental , usando arias, recitativos, ensembles, coros y una orquestación sinfónica a gran escala, pero su núcleo musical, material y temperamento espiritual tienen raíces totalmente chinas, pues las melodías están inspiradas en la música popular y las canciones regionales, los recitativos usan los patrones rítmicos de la ópera tradicional china, y los 'tempi' musicales y las estructuras rítmicas presentan los rasgos distintivos de la Ópera tradicional china».En estas actuaciones madrileñas de 'Tierra salvaje', un drama «de amor, venganza y destino situado en el Norte de China a principios del siglo XX» y estrenado en Pekín en 1987, la obra se presenta con una producción reducida , y en lugar de una orquesta sinfónica se interpretará con un piano y dos instrumentos de percusión chinos; se han eliminado el coro y todas las secciones corales. «Se trata de una adaptación minimalista y el reparto estará formado por seis cantantes principales».Tragedia rural«El libreto de la ópera -sigue la directora de la compañía china- se basa en una tragedia rural china centrada en la opresión feudal en la antigua sociedad. Es una obra que emplea la forma externa de la ópera occidental, pero con una base cultural , un carácter espiritual y un material musical enraizados profundamente en nuestra propia nación».«El gran valor de 'Tierra Salvaje' reside en el hecho de que no yuxtapone, simplemente, la Ópera occidental y la Ópera tradicional china, sino que intenta transformar dos tradiciones artísticas diferentes en un nuevo lenguaje de la Ópera china. Es un título representativo de la exploración de la fusión Este-Oeste en la Ópera china, además de ser una de las primeras óperas chinas en llegar a la escena internacional», sigue Feng Li.La China National Opera & Dance Drama Theater se fundó en 1951, pero el género tiene un siglo de vida. «La Ópera china -explica la directora de la compañía- se ha caracterizado por su amplitud de miras y fusión desde el comienzo. Ha absorbido la experiencia de la Ópera occidental en la música, el drama, el arte vocal y escénico, a la vez que se nutría, continuamente, de las canciones populares chinas, la Ópera tradicional china, y la cultura tradicional para forjar, poco a poco, una expresión operística con unos rasgos culturales característicos chinos. Y ese es, precisamente, el sentido que tiene llevar 'Tierra Salvaje' a Madrid… Esperamos mostrar al público español que la Ópera china comparte un idioma común con el arte operístico internacional y, al mismo tiempo, posee su propia idiosincrasia cultural. El auténtico intercambio cultural consiste en entender el mundo, sin dejar de mantenerse fiel a la propia voz cultural».«No se trata de elegir -continúa- entre heredar una tradición e interactuar con la contemporaneidad… La tradición es la raíz, la contemporaneidad es el escenario, y la innovación es el puente que conecta a los dos ; es decir, no se trata de reproducir, simplemente, el pasado, sino de preservar el núcleo espiritual y el ADN cultural de las obras clásicas y, al mismo tiempo, re-expresarlas mediante las estéticas y el lenguaje escénico de hoy».Para preservar la tradición, añade Feng Li, «la educación ocupa un lugar muy significativo… En China siempre ha dado una gran importancia a la cultura musical tradicional: desde las canciones populares y la música tradicional instrumental hasta la Ópera tradicional china. Y los conservatorios profesionales de música ofrecen también cursos de historia musical china y música étnica».Asegura su directora que el China National Opera & Dance Drama Theater «es la mayor compañía artística , a nivel nacional, del Ministerio de Cultura y Turismo. Es la más grande en escala, con más personal y la mayor variedad de disciplinas artísticas. Tiene una gloriosa tradición e historia; el teatro tiene veinte departamentos, que incluyen la compañía de ópera, la compañía de danza dramática, la orquesta sinfónica, la orquesta tradicional china, el departamento de repertorio y creación, el departamento de arte escénico…».A lo largo de su más de medio siglo de existencia, la compañía ha creado e interpretado más de cien obras de ópera y danza dramática, dice Feng Li , «entre las que destacan la primera ópera nacional china, 'La chica de cabello blanco'; la primera ópera cómica nacional, 'El matrimonio de Xiao Erhei', el primer título de danza dramática, así como otros títulos operísticos y de danza como 'La linterna de Lotus', 'Lamento por el pasado', 'Confucio', 'El huérfano de Zhao' o 'La princesa Zhao Jun'. Sun, 30 Aug 2026 01:37:33 +0200 China National Opera & Dance Drama Una escena de 'Tierra salvaje' Una escena de 'Tierra salvaje' Julio Bravo https://www.abc.es/cultura/teatros/verdad-solo-humanidad-estado-matandose-presentaba-20260820135500-nt.html https://www.abc.es/cultura/teatros/verdad-solo-humanidad-estado-matandose-presentaba-20260820135500-nt.html Vestido totalmente de azul eléctrico, con su reconocible melena rizada nívea y su bigote travieso, Rafael Álvarez, 'El Brujo' (Lucena, Córdoba, 1950), aparece en el escenario. Con su voz al tiempo cálida y rugosa agradece la presencia de los medios de comunicación, que están allí para la presentación de su nuevo espectáculo, ' La segunda venida de Cristo o el yoga de Jesús ', que tras su estreno en el Teatro del Soho Caixabank de Málaga el mes pasado, desembarca ahora en el Teatro Alcázar de Madrid , donde estará hasta el 27 de septiembre. El Brujo es un francotirador de nuestra escena; su teatro personalísimo es un cóctel en el que agita filosofía, religión, arte medieval, política, cotidianeidad, humor, el teatro de Darío Fo y la juglaría… Todo ello desde la atalaya de su sabiduría escénica y una actitud ante la vida distante y escéptica. El Brujo cuenta que 'La segunda venida de Cristo o el yoga de Jesús' -en el que le acompaña el músico Javier Alejano - es, de alguna manera, continuación de un trabajo anterior, 'Autobiografía de un yogui'. Los dos se basan en el libro de Paramahansa Yogananda , un yogui y gurú hinduista, precursor del yoga en Occidente. «En este espectáculo quiero profundizar en las enseñanzas de Yogananda, y quiero dar a conocer más aspectos de su obra. Aquí se toca el conocimiento espiritual y la tradición de Occidente. Para él las enseñanzas de Jesucristo y las de los grandes maestros eran las mismas; enseñaban que la divinidad es algo a experimentar. No es un concepto teológico, sino una experiencia viva con la que los yoguis entran en contacto a través de las técnicas de meditación. Y eso enlaza con los conocimientos del Occidente místico: las técnicas de respiración también han sido utilizadas en Grecia por los monjes, que son monjes ortodoxos, ermitaños y que conservan todavía algunas formas de meditación en las que intervienen la fisiología, la respiración… El canto gregoriano, por otra parte, tiene algo en sus cadencias que es parecido a las recitaciones de los mantras en las técnicas del pranayama de la India… De todo esto habla Yogananda, que dice que la verdad es una, y que a ella se accede por diferentes caminos; cada cultura y cada religión expresan esa verdad de acuerdo con sus connotaciones históricas y su propio lenguaje, pero la verdad es esencialmente una sola. Y sin embargo, la humanidad ha estado enfrentándose y matándose por esas presentaciones de la verdad: mi religión, la tuya; mi concepción, la tuya. Y eso es muy importante en una era en la que la globalización de la cultura y de la información ya es un hecho, y que cualquier persona de un pueblo de España puede tener conocimiento de algo que ocurre en la India, y puede ver cómo se visten, cómo hablan…»Pero que nadie se alarme. El Brujo es un actor y ofrece un espectáculo, no una conferencia sobre filosofía y religiones. La risa del público es imprescindible en sus trabajos. Y se mira en el espejo del italiano Darío Fo , que con alma de juglar utilizó el humor y la sátira para hacer una feroz crítica social. El intérprete lucentino, que lleva más de tres décadas pisando el escenario en solitario, emplea la falsilla del Nobel italiano en una «puesta en escena que combina la ciencia del alma con la rítmica, el humor y el sentido de la fiesta; mis espectáculos necesitan la complicidad permanente de la risa del público», asegura.La filosofía oriental¿Y cuál es el papel de los espectadores? «Están muy en la superficie de todo ese proceso. Hay una parte interna del público que está conectada, que es el subconsciente colectivo, la sensibilidad colectiva que hay en la sala; y eso es eléctrico, se puede experimentar, no es ninguna tontería. Hay otro público que simplemente se ríe , se divierte con el chiste». «El humor es un vehículo conductor, es el entretenimiento, es la relajación, es lo que le da el ritmo, es lo que le da la vida al espectáculo», añade.Reconoce que el descubrimiento de la filosofía oriental ha supuesto un antes y un después en su vida. «Me ha aportado, por ejemplo, u na mayor seriedad con mi trabajo y paradójicamente, por contraste, me ha dado un mayor cachondeo. El teatro siempre es un juego, y este conocimiento ha hecho que me sienta menos dependiente de los prejuicios, de las opiniones. Al adquirir mayor seguridad interior te permite que exteriormente estés más relajado».«Y si no, hago el 'Lazarillo'»No ha habido en Occidente mucho interés por la cultura oriental. «Pero en el siglo XIX, Arthur Schopenhauer, el filósofo alemán, se interesó mucho por ella, y tiene escritos sobre los Vedas, los textos sagrados de la antigua India. Otros estudiosos de Oriente fueron Max Müller , también alemán, o el suizo Carl Gustav Jung, que estudió los mitos y las propiedades terapéuticas del yoga». ¿Le hubiera ido mejor a Occidente haber conocido más esta cultura? «Seguro que sí; el conocimiento amplía siempre la mente, y una mente amplia es una mente más receptiva a la verdad y está menos a la defensiva. A España toda esta cultura llegó a través de los árabes y de la cultura persa. Cervantes habla en el 'Quijote' de los gimnosofistas de la India -a quienes caracteriza por su desnudez y su extrema austeridad, vinculándolos con una forma de sabiduría que prescinde de las comodidades materiales-; eran los yoguis. Aldous Huxley, más tarde, hablaba de la filosofía perenne -la idea de que, por debajo de las distintas religiones y tradiciones espirituales, existe una verdad profunda y común que ha sido intuida por los seres humanos en diferentes épocas y culturas-, y que está también en la 'Odisea' y hasta en Arthur Miller».Las obras que concibe, escribe, dirige e interpreta Rafael Álvarez 'El brujo' tienen una estructura sobre la cual improvisa . «Para mí es muy importante, es un andamiaje interno cuya construcción supone también un trabajo de reestructuración mía personal, alineamiento con el orden. Es una forma de dialogar con el concepto de orden, con la armonía a través de ese mismo orden. Y ese juego de resonancias que hay en la estructura de una obra es lo que me permite improvisar… Y si no recuerdo el texto, hago el 'Lazarillo', que sí lo sé», bromea. Fri, 21 Aug 2026 08:40:46 +0200 Ignacio Gil Rafael Álvarez 'El Brujo', el miércoles en el Teatro Alcázar Rafael Álvarez 'El Brujo', el miércoles en el Teatro Alcázar Julio Bravo